¿Quiénes serán los Béla Bártok en la Arquitectura del siglo XX?

..."Aceptase generalmente que los tres compositores más grandes después de Debussy, durante la primera mitad del siglo XX, fueron Igor Stravinsky, Arnold Schonberg y Béla Bartók: cada uno de ellos fue un individualista enérgico y un innovador importante. Si Stravinsky representa la lógica y la precisión en la música, y Schonberg sintetiza la ruptura con la tonalidad para pasar a una filosofía completamente nueva de la composición musical, Bartók representa la fusión del nacionalismo y el pensamiento musical del siglo XIX para dar paso a un medio expresivo convulsivamente intenso.
Bartók fue un hombre menudo y frágil, dotado de expresiva fuerza psíquica, dispuesto a seguir de manera inflexible su propio camino aun cuando nunca se ejecutase su música. Lo animaba una obstinada integridad y un humanismo global, y nunca se mostró dispuesto a abandonar su ideal de la verdad, incluso cuando eso implico resistir a los nazis y crearse un nuevo hogar en otro país. Siempre estuvo dispuesto a enfrentar al sistema en defensa de su música y en defensa de su libertad. …
…Bartók fue un compositor nacionalista, y con Mussorgsky probablemente el más grande que haya vivido; apenas si existe una nota de su música que no este saturada del sentimiento de la melos húngara. No era que inventara o copiase melodías populares, aunque de tanto en tanto lo hacia. Era algo mucho mas profundo que esto. En cuanto fue uno de los etnomusicólogos más cultos del mundo -Bartók gozaba de reputación internacional por sus investigaciones eruditas en el campo de la música popular- el sonido, los ritmos y las escalas de la música de su Hungría nativa eran una parte tan importante de su personalidad que, automáticamente, pensaba en esos términos. Y lo que expresaba era la cosa real, sin mezcla, la mayoría de los nacionalistas del siglo precedente usaban una versión occidentalizada y pulida de los elementos populares. Bartók descendió a los elementos básicos, a la materia prima, el pueblo-Ur-. A menudo volcó estos materiales en formas derivadas de la corriente principal de la música occidental. “Kodály y yo”, dijo cierta vez, “ queríamos formular una síntesis del Este y el Oeste”. Zoltán Kodály también utilizo elementos populares en su música. Pero sus obras parecen menudas comparadas con las de Bartók. Kodály tenia una mente mas cortés y convencional, y si bien era un excelente compositor, nunca pudo romper totalmente con las formulas del siglo XIX. Bartók, en efecto, modifico la sonata y otras formas a la medida de sus necesidades, y utilizo los elementos populares de un modo nuevo y atrevido..."
Extracto del capítulo 38. EL Húngaro Inflexible del libro de Harold C. Schonberg "LOS GRANDES COMPOSITORES". Barcelona, 2007 Editorial Robinbook, Manontroppo. Seleccionado por el arq. Martín Lisnovsky

Maurits Escher mira el Espejo Mágico e Infinito de la Alhambra en Granada

“Los árabes alcanzaron una gran maestría en el arte de rellenar superficies con figuras que se repiten sin dejar un solo hueco libre. Así lo hicieron en la Alhambra, donde decoraron paredes y suelos con mayólicas multicolores. Es lástima que el Islam prohíba las imágenes. Por ello, en sus mosaicos se limitaron al empleo de formas geométricas abstractas. Ningún artista árabe se atrevió a usar figuras reconocibles –por ej. Pájaros, peces, reptiles, hombres- como elementos decorativos( o tal vez ni siquiera se les ocurrió semejante idea). Al ceñirse a las formas geométricas me resulta tanto más inadmisible cuanto que la posibilidad de reconocer las figuras es para mí el motivo principal de mi permanente interés en la materia.” Maurits Cornelius Escher.
El texto pertenece al libro de Bruno Ernst, El espejo mágico de Escher. Taschen 1992
Seleccionado por el arq. Martín Lisnovsky

Arte y Composición: El Problema de la Forma en el Arte y la Arquitectura

…”En términos muy generales el rechazo de la composición académica se realizó de acuerdo con dos tendencias artísticas diferenciadas: la racionalista, que perseguía un orden objetivo de las cosas y la expresionista, que perseguía la expresión libre de un contenido interior. Mientras los idealistas de la razón abstracta pretendieron alcanzar la forma pura como representación de un orden (o razón) esencial, tratando de acceder a la estructura de las cosas para expresarla de la manera más clara posible, los idealistas de la expresión libre confiaron en el poder de la intuición, en el instinto y la improvisación, para presentar en sus obras los contenidos más profundos del alma. Para los idealistas de la forma pura, el acceso al orden objetivo de las cosas, a su forma o composición esencial, debía elevar al hombre sobre lo circunstancial y hacerle participar (y disfrutar simpáticamente) del orden del cosmos. Este ideal, sin embargo, no era muy diferente de los antiguos ideales que otros artistas de vanguardia decían combatir. La sentencia, todo es medida, número y disposición equilibrada, por ejemplo, aparecida en la revista De Stijl, podría atribuirse tanto a la escuela de Pitágoras como a Palladio y Alberti. “Si la composición es la única expresión pura del arte, entonces los medios de expresión han de estar en completa conformidad con aquello que deben expresar. Si pretenden la expresión directa del universo, no pueden ser más que universales, es decir, abstractos”, explicaba Piet Mondrian en la misma revista…”

“En el arte de la moderna abstracción, una vez alcanzada la forma pura, la pintura, la escultura y la arquitectura pudieron aproximarse entre sí para dar lugar a la tan deseada obra de arte total. Los collages espaciales y las esculturas de Tatlin, las construcciones espaciales de los hermanos Stemberg, los monumentos de Natan Altman, los PROUN de El Lissitzky, las axonométricas y arquitectones de Malevich y Suetin, las esculturas de Georges Vantongerloo, los relieves de Chachnik y las composiciones espaciales de Kidekel, entre otros, se encuentran a medio camino entre el mundo de la pintura y el mundo de la arquitectura. No eran estrictamente esculturas; eran construcciones que compartían con la nueva arquitectura su papel de condensador social, es decir, la intención de aparecer ante la sociedad como signos (o mecanismo de significar) capaces de representar y condensar en su imagen los valores de la nueva sociedad.
La tendencia hacia la forma pura, al menos en un primer momento, no se consideró compatible con la libre expresión. Esta incompatibilidad, observada desde posiciones ideológicas, dio lugar a enfrentamientos. Uno de los más relevantes se produjo en la BAUHAUS en el año 1923. La Bauhaus de Gropius , si quería consolidarse como escuela, no podía confiar exclusivamente en la intuición o en la capacidad de experimentación formal de sus alumnos, como pretendía Itten. Era necesario disponer de un cuerpo disciplinar, basado en las formulaciones teóricas, que pudiera ser transmitido a los alumnos para orientarles en sus trabajos de taller. Así lo hicieron Kandinsky y Klee. Las obras Punto y Línea sobre un Plano(del primero) y EL Ojo Pensante(del segundo) fueron la consecuencia de aquella necesidad…”

En días recientes, la editorial Nobuko nos envió material de reciente edición. Entre ellos sobresalía por la complejidad de la propuesta y el volumen del trabajo el libro Arquigénesis, que intenta unificar posiciones entre la naturaleza, las matemáticas y la arquitectura. Prometemos en breve realizar una breve síntesis al respecto, cuando lo podamos comprender en su justa medida.
Seleccionamos para leer primero el que resultó una muy agradable sorpresa: el libro del profesor de composición arquitectónica en la Escuela Técnica Superior de Madrid, Manuel de Prada, ha conseguido una más que contundente propuesta, resumiendo y fundamentando las diversas posiciones ideológicas en la arquitectura del siglo XX. Utiliza la comparación de dos imágenes -como es nuestra costumbre en la sección Sin Comentarios- para demostrar los lazos de sangre entre las propuestas del arte y la arquitectura moderna con el arte primitivo y ejemplos recientes como las obras de Rem Koolhaas. Y resultan muy didácticos y ejemplificadores.
La primera parte intenta describir para iniciados o desordenados las diferentes teorías que entre la mitad del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX se sucedieron y sostuvieron e incentivaron conceptualmente a los artistas. Un segundo capítulo propone explicar el sentido de la abstracción moderna y su relación directa con el arte primitivo. El capítulo final nos habla sobre el Genio y el sentido de la imitación, la inteligencia creadora, la analogía y la originalidad.
Una propuesta clara y pedagógica ideal para los estudiantes y jóvenes arquitectos destinados a perseguir el conocimiento desde los textos clásicos. Una visión propia de nuestra generación que nos ubica y sobre todo, nos abre los ojos frente a un mundo de relaciones que aquí encuentran un porqué. Muy recomendado.
Los dos primeros párrafos son breves fragmentos del libro de Manuel.

Manuel de Prada. Arte y Composición. El problema de la forma en el arte y la arquitectura. Buenos Aires, 2008, Nobuko.
Javier Fresnadillo. Arquigénesis. Buenos Aires, 2008, Nobuko.
Ricardo Alonso del Valle. Elogio y Vituperio de la Imagen. Apuntes sobre la teoría del dibujar. Buenos Aires, 2008, Nobuko
Angelique Trachana. Arquitectura y Construcción de la Forma Urbana. Buenos Aires, 2008, Nobuko

SC 99: Saarinen, Kahn, Eames, la TWA, el Museo Kimbell y la silla Tulipán

1- Eero Saarinen. Terminal TWA en el Aeropuerto JFK, Nueva York 1956-1962
2- Louis I. Kahn. Museo de Arte Kimbell, Forth Worth, Texas 1966-1972
3- Eero Saarinen + Charles Eames. Mueble de Forma Orgánica. Concurso MOMA 1940
4- Eero Saarinen. Silla Tulipán para la firma Knoll, 1956
Sucedió en plena corrección de un trabajo práctico en la facultad. Inspirados por el análisis de la terminal TWA y sus referencias a las construcciones romanas y el ingenio de Gaudí, continuamos buscando relaciones y llegamos a las que hoy presentamos. La estructura de Saarinen parece una cáscara, pero en verdad es una gran columna Y que se va transformando plásticamente y sin detenerse en grandes vigas que rigidizan las cuatro secciones de cáscaras. La separación entre estas vigas permite el acceso cenital al espacio interior de la luz natural y agiliza el peso visual de la estructura. Las bóvedas proyectadas por Kahn son, gracias a la recomendación de su ingeniero August E. Komendant, en verdad 2 vigas que apoyan en las columnas de los extremos para justamente permitir el acceso de la luz cenital, tamizada por un artefacto difusor. Nótese que, aprendiendo una lección de Alvar Aalto, los artefactos de iluminación artificial se encuentran ubicados para que encendidos provoquen la misma sensación que la luz natural. La forma de la mentirosa bóveda es un cicloide, trazo que dibuja un punto del círculo a medida que este rueda por una línea recta. Caminos plásticos inducidos por el hormigón y comprensión tridimensional de la materialidad, ya habían sido explorados en otra escala y otro material cuando Eero con su amigo Charles Eames ganaron por varios cuerpos de distancia el concurso del Moma para el diseño de un "Mobiliario Orgánico para el Hogar" en 1940, marcando el comienzo de una serie de diseños donde los materiales plásticos y los moldes complejos abrirían un nuevo camino en el diseño industrial. Uno de los ejemplos mas felices al respecto le pertenece también a Saarinen y es su silla Tulipán, contemporánea a la terminal.
Las futuras arquitectas que presentaron el análisis son Mariana Arena, María Emilia Fernandez Fuhr y Anabela Ferreiro.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

La Biblioteca de la Universidad de Arte de Tama, una Delicia Maestra de Toyo Ito

Ayer, en uno de los sitios que suelo frecuentar para refrescarme con nuevas arquitecturas (www.archdalily.com), apareció un artículo con fotografías de la Nueva Biblioteca de la Universidad de Tama, en Hachioji City, un barrio de Tokio (link: http://www.archdaily.com/22711/tama-art-university-library-toyo-ito-by-iwan-baan/). Proyectada y Construída entre los años 2004 y 2007, es una de las obras maestras que el nuevo milenio nos ha regalado. Ya hablamos de ella en ocasión del SC 53 (http://arquitecturamashistoria.blogspot.com/2008/02/sc53-la-biblioteca-de-ito-y-la-mezquita.html) cuando la comparamos con la Mezquita de Córdoba, las obras de Louis Kahn en la India, el acueducto romano de Segovia y obras de Moneo y Raje, constituyendo junto al SC 31 con la Torre Agbar y el Caminito de Buenos Aires (http://arquitecturamashistoria.blogspot.com/2007/11/sc-31-la-torre-agbar-de-jean-nouvel-y.html) dos de los mejores momentos del grupo de artículos que está por festejar su primer centenario. Como quiso las casualidades que en el transcurso de pocas horas me volviera a topar con ella en el reciente ARCHITECTURE NOW 6! de Jodidio y en la Croquis nº123 del 2004 dedicada a la obra de Toyo Ito entre el 2001 y el 2005, me pareció una buena oportunidad recordar con algunas bellas imágenes estos espacios, otorgándole también un sitial bien ganado dentro de nuestras delicias. De presencia simple y fuerte carácter, este ingenioso proyecto es muchísimo más complejo que lo que percibimos a primera instancia, y cada nivel nuevo de detalle nos sorprende con novedosas ideas y resoluciones. La estructura principal se conforma por una serie muros curvos dominados por una serie consecutiva de arcos irregulares de 200mm de espesor en total y se encuentra conformada por placas de acero de 12mm recubiertas como protección ignífuga y al pandeo por hormigón con un acabado de resina de silicona hidrófila. Estos Arcos de diversas proporciones alcanzan los 12m, y nos sorprende cuando en las fotografías de las maquetas de estudio, y con las mismas al reverso, las asemejamos al juego de estalactitas y estalagmitas propias de una caverna, la primera idea a desarrollar por los autores. La aparente libertad de los trazados curvos de los muros con arcos interiores provoca una neutralidad abierta e infinita apoyada en la austeridad del acabado visto del hormigón y su textura. Sin dudas heredera cercana del juego de logaritmos de la Septentine Gallery del 2002, esta pequeña gran obra nos enseña que siempre hay lugar para la creatividad y el alto nivel de resolución de los detalles. Veremos en los próximos días que nos depara el análisis que desarrollaremos en el espacio de la Facultad.
Las fotografías fueron tomadas del link de referencia y de Flickr y sus autores son barrettbw, faller_man, grebgreb, Ibone Santiago, Ilad1124, inaoyafujii, isaiahk, treffediffers, Maria Carrizosa, Woranol, Sattayavinj, Ray Chang y Tony Wu.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Como complemento ideal para continuar conociendo al edificio, no se pierdan el análisis que nuestro amigo Carlos Zeballos hace en su blog moleskine arquitectonico (http://moleskinearquitectonico.blogspot.com/)

Walter Gropius y la Piazza San Marco, el Corazón de Venecia

..."La creatividad de los ejecutores requiere una respuesta de todos los usuarios. Estoy convencido de que una dosis sorprendente de caprichos individuales -sí, y aún de aberración y franca fealdad- podría tolerarse sin causar perjuicios serios si el gran diseño, la imagen que una sociedad debe forjarse de sí misma, surgiera clara e inequívocamente. En las realizaciones de los constructores de nuestras ciudades del pasado admiramos el hecho de que su obra revela con mucha claridad el destino final de cada rasgo individual, como parte orgánica de una totalidad. Esto hacía que la ciudad cumpliera bien sus funciones y otorgara un estimulante trasfondo a las personas para todas sus actividades. ¿De qué otra manera puede explicarse la maravillosa Plaza de San Marcos, ese insigne exponente de la perfección? No es la obra de un solo maestro... en lugar de esto encontramos que se desarrolló un perfecto equilibrio entre las contribuciones de una cantidad de arquitectos que usaron diferentes materiales y métodos. Lograron este milagro porque jamás violaron el propósito fundamental del plan general; sin embargo nunca forzaron a una uniformidad de diseño. San Marcos constituye una ilustración ideal de mi credo "unidad en la diversidad", a cuyo desarrollo abrigo la esperanza de haber efectuado un aporte personal durante una larga vida de búsquedas y descubrimientos.
WALTER GROPIUS, Address at Columbia University, 1961
Las fotografías fueron tomadas de Flickr y sus autores son: josé mazcona, fede_gen88a, gbastini y it_outsider.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Gustave Eiffel: Una Torre de 300 metros para Armar, en el Corazón de París

…”En 1900, en vísperas de la inauguración de la quinta Exposición Universal parisina, Eiffel ya era una leyenda en vida. La torre de 300 metros que había construído 11 años atrás llevaba su nombre desde 1887, cuando el proyecto concebido por los ingenieros que trabajaban con él, Koechlin y Nouguier, se incorporó al programa de la Exposición Universal de 1889. La torre ya se había consagrado como un monumento a la gloria de la industria, pero también era una visión familiar para parisinos y turistas. Seguía siendo una construcción provisional, pero ya se preveía que sería uno de los grandes atractivos de la Exposición de 1900, si bien con el tiempo los gustos se habían desplazado hacia formas más exuberantes y la torre atrajo sólo la mitad de visitantes que en 1889…”


…”La construcción de la torre se llevó a cabo en tiempo récord, más si se tiene en cuenta que el número de trabajadores presentes en la obra nunca superó los doscientos…Cuando se inician las obras, en enero de 1887, Eiffel dispone de una ayuda para la fabricación de eficacia probada: en la factoría de Levallois-Perret, sede de su empresa, se realizará gran parte del trabajo del hierro suministrado por las acerías Dupont y Fould de Pompey. En el taller , los trabajadores de base preparan todas las piezas, que se calculan, trazan, cortan y taladran con precisión de décimas de milímetros, antes de llevarse al emplazamiento de la torre, ya montadas en pequeños elementos de varios metros de largo…Las viguetas primero se colocaron en voladizo y, posteriormente, se levantaron doce andamios de madera provisionales de 30 metros de altura para apuntalar los cuatro pilares. Al llegar a la primera planta, se elevaron nuevos andamios de 45 metros para sostener cada una de las cuatro grandes vigas horizontales. A partir de allí, los montantes se sostuvieron por sí solos…”


…”Eiffel se esforzó ante todo por demostrar la utilidad científica de la torre, con el fin de evitar la demolición prevista para 1910, al término de la concesión de 20 años acordada. Primero, en 1889, se instaló una estación de observación meteorológica. El desnivel de 300 metros permitía realizar varios experimentos de física: un manómetro gigante para graduar los instrumentos de medición de la presión, un péndulo de Foucault, mediciones espectroscópicas, cálculo de la velocidad del viento y de la temperatura atmosférica…En octubre de 1898, Eugène Ducretet realizó la primera transmisión telegráfica entre la torre y el Panteón, situado a una distancia de 4 kilómetros…En 1906 se instaló en la torre una emisora de radio permanente, lo que garantizó definitivamente su continuidad. La concesión acordada con Eiffel se renovó el 1 de Enero de 1910 por una duración de 60 años. Eiffel vivió lo suficiente para escuchar en 1921 la primera retransmisión de radio pública de Europa, emitida desde las antenas de su torre. Murió el 27 de diciembre de 1923, justo once años antes de poder presenciar la primera retransmisión televisiva efectuada desde lo alto de la torre que inmortalizó su nombre…”



Contratista: Gustave Eiffel
Ingenieros: Maurice Koechlin y Emile Nouguier
Arquitecto: Stephen Sauvestre
Construcción: del 28 de enero de 1887 al 31 de marzo de 1889
Planos: 700 planos de conjunto y 3.600 de detalle para las piezas prefabricadas.

Taschen publicó hace meses una edición de colección que en parte selecciona y en parte amplia a la edición por Eiffel el 1º de junio de 1900 de las dos carpetas tituladas La torre de 300 metros. Una breve historia relatada y con fotografías de las etapas de construcción, introducen a una gran cantidad de planos, esquemas y detalles que reafirman la capacidad de aquellos profesionales de lograr transmitir con gran nivel de precisión los detalles que el mismo cuerpo de profesionales diseñaba para poder erguir la torre. Seleccionamos algunos y recomendamos ampliamente una visita por sus páginas, un ejemplo de documentación. Acompañamos con imágenes de la web las pertenecientes a esta edición.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Talking Heads y Dire Straits: Stop Making Sense y Alchemy, 25 años después

Una de las últimas madrugadas, desvelado, seleccioné dentro de mi extensa y meticulosamente ordenada dvdteca dos recitales para disfrutar con auriculares (por el bien de la familia y los vecinos). Me sorprendió que ambos fueran grabados en vivo en el mismo año (1983) y editados por primera vez al año siguiente. Ambos están cumpliendo 25 años –sí, me estoy poniendo viejo-, ambos hacía por los menos 10 que no los veía ni escuchaba en su totalidad, ambos conservan a su líder todavía en buena forma –David Byrne y Mark Knopfler-, a ambos el prestigio que estaban obteniendo le esperaba una explosión comercial. Pero representan propuestas totalmente diferentes…
Los recitales de “Alchemy” de Dire Straits se desarrollaron en el Hammersmith Odeon de Londres los días 22 y 23 de julio. Despliegan casi la totalidad de sus mejores canciones en estudio añadiendo extensas variaciones y solos más propios del rock sinfónico o la música clásica, donde todos a su debido momento logran lucirse. Con ropa demasiado informal y las caras completamente relajadas, tocan de manera tradicional, artesanal, y demuestran uno de los mejores despliegues y sincronización entre músicos que he visto sobre un escenario. Es el rock al viejo estilo, bien sentimental, de grandes melodías, pero las imágenes del final se quedaron ancladas en los ochenta. La parte visual ha envejecido notablemente, la música no perdió absolutamente nada. Al grupo le esperaría el megaéxito de Brothers in Arms (uno de los grandes incentivos para que la gente comprara un reproductor de CD) donde Money for Nothing entregaría el estribillo más famoso y desopilante de la historia (por piedad no lo traducimos): We gotta install microwave ovens, Custom kitchen deliveries, We gotta move these refrigerators, We gotta move these colour tvs…. Para rendirle un justo reconocimiento nombremos a los músicos: Alan Clark, Mel Collins, John Illsley, Joop de Korte, Hal Lindes, Tommy Mandel, Terry Williams y el gran Mark Knopfler con su vincha dedicada a su gran amigo: Guillermo Vilas.
Stop Making Sense presenta ya un formato de película y fue grabada durante principios de Diciembre del 83. Dirigida por un joven Jonathan Demme, aquel que ganó luego el Oscar por El Silencio de los Inocentes y se mostró en gran forma también en Philadelphia, The Manchurian Candidate y la reciente Rachel Getting Married).
Si Alchemy representa lo tradicional, SMS nos anticipa el futuro audiovisual que estaba por explotar. Sumamente cuidado al detalle desde lo teatral y visual, comienza con Byrne y su guitarra tocando Psycho Killer sobre la base grabada en un pasacassete. A medida que avanzan las canciones se suman de a uno los músicos, se completa el escenario y el fondo se transforma en una gran pantalla. A los Talking Heads originales (David Byrne, Chris Frantz y Tina Weymouth) se suma ya estable Jerry Harrison y lo complementan músicos afroamericanos de gran aporte: Bernie Worrell, Alex Weir, Steven Scales y las cantantes Lynn Mabry y Ednah Holt. Bajo su apariencia arty-pachanguera, la música es frenética y cerebral, y especialmente los Heads se muestran muy hiperkinéticos, nada relajados. Hay ruiditos y sampleos y el ritmo funky no da descanso. Ya acariciaban el podio norteamericano aunque aún los esperaría un éxito mayor a escala mundial, con los discos Little Creatures, True Stories y Naked. Gran parte de lo que hoy se ve fue anticipado por Byrne y sus muchachos en esta película.
Estas dos gemas musicales se han sabido ganar el podio de mis preferencias y son junto a un selecto grupo que los he comprado en 5 formatos diferentes: cassete, vinilo, cd remasterizado, vhs y dvd. A esta altura me parece que deberían obsequiarme gentilmente los formatos posteriores que se publiquen, creo me los he ganado...
Dos propuestas completamente diferentes. Dos grandes recitales. 25 años después, el mismo placer al disfrutarlos. Altísimamente recomendados.
Nota al margen: ¿Donde verlos por estos años? Ambos han grabado dos DVD, ambos son muy recomendados y, por supuesto, continúan presentando músicas y propuestas completamente diferentes. "Real Live Roadrunning" de Mark Knopfler y Emmylou Harris en el 2006 y mi preferido "Live at the Union Chapel" de David Byrne, grabado en Londres en el 2004. Que los disfruten.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

SC 98: Oscar Niemeyer e Iván Leonidov, Brasilia mira el Juego de Lenin

1- Iván Leonidov. Instituto Lenin, 1927, proyecto no construído.
2- Oscar Niemeyer. Congreso Nacional, 1958, Brasilia.
Opa, Opa! No tan lejos en el tiempo ni en sus ideas políticas, el gran Oscar parece haber continuado el juego compositivo de volúmenes en contrapuntos espaciales, tamizando la alta tecnología con un baño de blanco modernista. El resto, se los dejo como tarea para el hogar.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Moholy-Nagy, Matisse, Duchamp, Leonidov, Lissitsky, Marey y una Nueva Visión.

"...Físico y Novelista, el inglés C.P.Snow publicó hace ya treinta años un curioso libro, Las dos culturas. Trataba en él de la casi absoluta separación entre el universo científico-tecnológico y el universo artístico-literario. Eran esas las dos culturas referidas en el título del ensayo, pero lo que Snow demostraba es que la palabra cultura sólo era aplicada a las artes, las letras, el pensamiento y la filosofía...
Se dice de un médico que es cultivado porque ha leído a Dostoievski y a Proust, pero no se dice de un literato que no es cultivado si no conoce el segundo principio de la termodinámica. El artista que ignora la función del ADN en la biología molecular será tenido, sin embargo, por un hacedor de cultura; pero nadie tomará por un hacedor de cultura al biólogo que ignore la pintura de René Magritte. A nadie se le ocurriría llamar intelectual a Monod o a Jacob; pero todos coincidimos en que lo son Sastre y Chomsky. ¿Por qué el sector de la cultura gracias al cual el hombre ha transformado el mundo en lugar de interpretarlo, es excluído y negado por los literatos, los artistas y los pensadores? El cisma persiste y acaso no tenga fin.
La escisión no es tan antigua como suele creerse. Empieza a manifestarse hacia la segunda mitad del siglo XIX, y se afianza ya entrado el XX, cuando la ciencia y la tecnología aceleran su avance e impulsan de manera decidida el crecimiento de las sociedades industriales (Alemania, Francia, Gran Bretaña, Japón y especialmente los Estados Unidos).
Aun así los impresionistas y, sobre todo, los posimpresionistas se nutrieron de las novedades de su tiempo acerca de la fisiología y la psicología de la visión, los problemas de la óptica y el análisis de la luz. Los futuristas italianos consideraron al automóvil una obra más bella que la Victoria de Samotracia, los cubistas hurgaron en el resultado de las experiencias fotográficas de Muybridge y Marey sobre el movimiento de los seres humanos y los animales.
Duchamp no sólo admite la tecnología sino además se sirve de ella: es uno de los comunes denominadores que ligan el Desnudo bajando por una escalera, La novia…, los ready-mades, las creaciones ópticas y aún la instalación Dadas. Sin embargo, el paradigma de la fusión de arte y tecnología ha de darse entre las vanguardias soviéticas de 1912-1932, particularmente en el campo del arte y la arquitectura constructivista (Malevich, Tatlin, Lissitski, Rodchenko, Guinzburg, Leonidov, Chernijov) así como en la aventura de la Bauhaus de alemania (1919-1933).
Uno de los profesores de la Bauhaus, el húngaro Lászlo Moholy-Nagy (1895-1946), no sólo inició a sus alumnos en la fotografía y el fotomontaje sino también en las experimentaciones ópticas y en los aspectos de tiempo-movimiento de la luz y el film como medios de creación artística, y aun desarrolló teorías personales acerca de la percepción y la visión, relacionadas estrechamente con el mundo de la tecnología. Sus esculturas cinéticas Moduladores Espacio-Lumínicos (1923-1930) son obras de arte y, a la vez, productos tecnológicos, pequeñas máquinas de luz y sombras.
Moholy-Nagy, artista y teórico, tomaba a la fotografía como el basamento de una nueva visión, una nueva manera de remodelar la conciencia individual y de modificar así la sociedad….Su influencia cruzará con él a la otra costa del Atlántico, al fundar en 1939 la Escuela de Diseño de Chicago, y al publicarse sus ensayos teóricos: The New Visión (1946) y Vision in Motion (1947), aparecido después de su muerte en Chicago..."
Jorge Glusberg. Moderno Posmoderno. Buenos Aires,1993, Emecé.
Las imágenes fueron tomadas de la web y corresponden a pinturas de Magritte, Duchamp, Balla y Boccioni, a fotografías y fotogramas de Moholy-Nagy y al famoso ready made de don Marcel.

Quinto Centenario: Celebramos con la Suelta de los Tradicionales Wallpapers

Artículo número 500 y como es nuestra ya tradicional costumbre lo festejamos con una nueva edición de wallpapers, reflejando algunos buenos momentos de los últimos meses. Ideal para la mini-notebook de la dama o la laptop del caballero, estas elegantes imágenes son una excelente excusa para reemplazar la foto de la mascota de su novia o de la suegra (no confundan). Les agradezco a todos por sumarse como seguidores, por los mails enviados con todo tipo de información y comentarios (prometo ordenarme para las respuestas en breve) y por la cantidad de visitas records que en las últimas semanas este espacio ha alcanzado. Seguimos en contacto, que lo disfruten.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

La Perspectiva en el Renacimiento, La Computadora en Nuestras Generaciones

…"A principios del siglo XV, en Florencia, una nueva concepción del espacio fue traducida en términos artísticos a través del descubrimiento de la perspectiva. En el decurso de los cinco siglos siguientes la perspectiva iba a ser uno de los hechos fundamentales en la historia del arte: el inflexible principio al cual toda representación artística debería acomodarse.
En la perspectiva lineal “vista desde lejos”, etimológicamente hablando los objetos están trazados sobre una superficie plana, de conformidad con la manera en que son vistos, sin referencia alguna con sus formas absolutas o sus relaciones. Un dibujo o una pintura, en su conjunto, están calculados para ser vistos desde un único punto de observación. El principio de la perspectiva originó, en el siglo XV, una completa revolución, que encerraba una extrema y violenta ruptura con la medieval concepción plana y desarticulada del espacio, que constituye su expresión artística.
Con la invención de la perspectiva, la moderna noción del individualismo halló su contrapartida artística. En una representación en perspectiva, cada elemento se halla relacionado con un único punto de vista, el del propio espectador.
Este principio apareció como una invención enteramente nueva, pero raramente una nueva invención ha estado tan en absoluta armonía como ésta con el sentir fundamental de un época. Desde el momento de su descubrimiento no pudo observarse la más nimia inseguridad ante su aplicación; se adoptó desde un principio con la más completa confianza y seguridad absoluta. Los artistas y los hombres de ciencia indagaron sus secretos con un empeño y un orgullo fácilmente explicables. Su manera de sentir a este respecto se nos manifiesta en la entusiástica exclamación del pintor Paolo Uccello: “¡Qué concepto tan bello es la perspectiva!”
La perspectiva no fue el descubrimiento de una sola persona; fue la expresión de toda una época. Sólo más tarde, al estudiar el cubismo, nos enfrentaremos con una situación similar. También aquí nos encontramos con un movimiento de conjunto, surgiendo como respuesta a la nueva concepción del espacio desarrollada en nuestra época, y no como invención de un solo hombre. En ambos casos el dato significativo es la cooperación entre arte y ciencia, pero en el desarrollo de la perspectiva la colaboración entre estos dos factores fue mucho mas íntima. Ciertamente pocas veces se ha dado una tal completa unidad de pensamiento y sentimiento –arte y ciencia- como se dio en los albores del siglo XV. No existió sólo la importantísima identidad de métodos en ambos campos, sino una absoluta compenetración del artista y del hombre de ciencia plasmados en las mismas personas…”
Sigfried Gideon (1888-1968). Espacio, Tiempo y Arquitectura.Madrid, 1978, Editorial Dossat.
Original: Space, Time & Architecture, the growth of a new tradition. Cambridge, 1941, Harvard University Press.

Cerrando una serie de artículos enfocados en la obra de Zaha Hadid, seleccionamos un fragmento de uno de los libros mas influyentes para las generaciones anteriores. Allí podremos reemplazar la mención a la perspectiva por la palabra "computadora" y al siglo XV y al Renacimiento, por "cambio de milenio" o "nuestros días". La frase adquiere una nueva coherencia, y deberíamos cambiar el sentido del todo el segundo párrafo, a una perspectiva tridimensional, dinámica y de multivisiones constantes, rompiendo con el esquema estanco, plano y bidimensional de la perspectiva.
Así lo verán las futuras generaciones.
Las fotografías fueron tomadas de la web yde flickr. Sus autores; estudiotroia y twose
Seleccionado y Editado por el arq. Martín Lisnovsky

SC 97: Rudolf Steiner y Zaha Hadid. Audacias Morfológicas en Hormigón

Complementando la delicia presentada en el último artículo, hoy la ofrecemos en la misma bandeja que la gran obra de Rudolf Steiner, el segundo GOETHEANUM proyectado entre los años 1923 y 1928 en la ciudad de Dornach, muy cerquita de Basilea, Suiza. Heredera de los gestos de Hans Poelzig y actual sede mundial de la Sociedad Antroposófica, dedicada a investigar los porqué del universo desde una profunda experiencia sensorial(sic), este edificio tan particular fue desarrollado a partir de las supuestas premisas del movimiento: lo orgánico, la arquitectura sustentable y la representación de todas las artes dentro de la expresión y el carácter, como ser la pintura, la escultura, la danza, el drama y la música. Si el Phaeno les entusiasmó por la creatividad en la morfología realizada en hormigón, imaginen que aquí estamos hablando de 8 décadas atrás; la villa en Poissy todavía no se dibujaba en ningún papel, y estaban por venir al mundo el ratón Mickey y el cacique Patoruzú...¿Cuál les parece que es más osada para su época? Las fotografías fueron tomadas de Flickr y de la web y sus autores son: amorphity, drkaolin, dystopos, fastfoodforthought y from_the_sky.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

La Caverna Estilizada de Zaha Hadid: el Phaeno Science Center en Alemania

El Phaeno Science Center en Wolfsburg (1999-2005), proyectado por el estudio de Zaha Hadid, es lo que los críticos de música denominan un “clásico instantáneo”. Apenas uno lo comienza a recorrer, es consciente que los valores que la obra ha logrado alcanzar se ubican muy por encima del promedio. Tendremos que esperar dos décadas para poseer un panorama histórico que le de una apreciación más objetiva, pero nosotros no pudimos esperar mas de 3 años y algunos meses. Resultado de un concurso realizado en enero del 2000, esta caverna estilizada convierte al hormigón en poco mas que plastilina. El desafío gravitatorio e inercial no parece abandonar los espacios en ningún centímetro, y la caja suspendida es transformada en una nebulosa geométrica cuyos laberintos se entrecruzan generando una superposición infinita de tramas. Si comúnmente denominamos “columna escultural” a los pilotis de la unidad de habitación de Marsella, nos quedamos sin palabras para hablar de las fachadas y la planta de acceso. El detalle de los paralelepípedos de esquinas redondeadas y ángulos agudos, que se reparten irregularmente acompaña el vértigo de las diagonales del perímetro. Mientras todas las obras dibujan ágilmente su aspecto con paneles montados en estructuras normalizadas, ver al hormigón resolviendo estos caprichos le aporta un fundamento y una fuerza que nos hace recordar a algunas obras ilustres como el Banco de Londres de SEPRA+Testa en Buenos Aires. Nuestros ojos se están amoldando a la complejidad y el collage de estas plantas y ya la sorpresa es costumbre; pero no significa aburrimiento ni fastidio, sólo que de seguir creciendo volveremos inexorablemente al cuadrado miesiano, como un polígono se acerca al círculo. Me asombra la facilidad que le permite al estudio de Zaha encontrar nuevas formas y nuevos desafíos. Evidentemente piensan en otros términos, en otras dimensiones. Basta de palabras de terceros, escuchemos la voz de los autores:

" The Science Center, the first of its kind in Germany, appears as a mysterious object, giving rise to curiosity and discovery. The visitor is faced with a degree of complexity and strangeness, which is ruled however by a very specific system of structural organization. Located on a very special site in the City of Wolfsburg it is set both as the endpoint of a chain of important cultural buildings (by Aalto, Scharoun and Schweger) as well as being a connecting link to the north bank of the Mittelland Kanal -Volkswagen's Car Town. Multiple threads of pedestrian and vehicular movement are pulled through the site both on an artificial ground landscape and inside and through the building, effectively composing an interface of movement-paths. Volumetrically, the building is structured in such a way that it maintains a large degree of transparency and porosity on the ground, since the main volume -the Exhibition- is raised thus covering an outdoor public plaza with a variety of commercial and cultural functions which reside in the structural concrete cones. An artificial crater-like landscape is developed inside the open exhibition space allowing diagonal views to the different levels of the exhibition-scape, while volumes, which protrude, accommodate other functions of the science center. A glazed public wormhole-like extension of the existing bridge flows through the building allowing views to and from the exhibition space".
Sitio oficial: http://www.phaeno.de/en/home.html
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Encuesta 17: La Arquitectura dentro de 100 años. Se Reactivan las Encuestas

Bueno, finalmente decidimos reactivar las encuestas dando por finalizada aquella que quedó suspendida pero, con toda justicia, es igual de válida. Opinamos entre todos que un siglo adelante en realidad nadie puede predecir que sucederá, con el nivel de cambios de las últimas décadas pensar tanto tiempo para adelante es realmente una utopía sin mucho sentido. Lo más probable es que todo lo que veamos hoy como el futuro (computadoras, casas desafiando la gravedad, paredes-pantallas, etc), sea parte de un descubrimiento antropológico, aunque en Marte o en La Tierra la economía de recursos debiera ser una principal fuente de supervivencia. La gran duda sería qué constantes de la vida y de la arquitectura que la ha acompañado en los últimos milenios logra conservarse. Pero es un juego intelectual mirar tanto más allá. Gracias a todos los que han participado.
Los invitamos a ingresar una nueva opinión, esta vez inauguramos la sub-sección de los Duelos Maestros, donde dos grandes contrincantes dirimen las preferencias del público a través de 5 o 6 obras de cada estudio. En la suma final de votos de las obras, el triunfador prevalecerá. Pueden votar tantas veces lo consideren. En breve, la presentación oficial de la encuesta 18, que ya se encuentra activa a partir de hoy en la tradicional columna de la derecha.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Un Click, una Página, una Palabra: Texturas de Beijing en una Ventana Matemática

Es un simple ejercicio muy típico de la cultura web. Una palabra en un buscador y el resultado arroja en una mezcla de azar y ecuación matemática un infinito de imágenes que presenta el tema. La pregunta sería cómo se muestra ese tema, tamizado por los parámetros ajenos a cualquier razonamiento que no sea el de una integral. Hoy proponemos el juego con la página www.Flickr.com y la palabra Beijing, y dentro del universo de respuestas seleccionamos algunas que reflejan texturas, tramas complejas muy afines a su cultura. Para dar un pequeño marco introducimos fotografías generales de la cultura. Los invitamos a realizar este ejercicio, con cualquier palabra y cualquier buscador. Si antes uno escuchaba: "Cómo no existe, lo vi en televisión!" ahora se transformó en: "Me salió en Google o estaba en Wikipedia!". Los Medios y las Ventanas por las cuales observamos e interpretamos el Mundo.
Las fotografías pertenecen a: Eric Lafforgue, niklausberger, manuela martin, don domingo, davide filippini, thorstcologne, ray devlin, jambajunkie, jadeonly, anton hazewin y jamie barras
Editado por el arq. Martín Lisnovsky