Estos esquemas aparecieron ante mí en la Architectural Record correspondiente a julio del 1991. Los dibujos de Antoine Predock mostraban la misma perspectiva en diferentes momentos del día, afirmando la necesidad de comprensión del contexto y del sitio. Se ubicaban cerca del espíritu de los cuadros de Claude Monet, quien entre 1892 y 1894 pintó varias veces el frente de la Catedral de Rouen reflejando las variaciones de los tonos que la luz del sol le otorgaba con el paso de las horas.
Si miramos en nuestro interior, en nuestra mente y en nuestro cuerpo, ellos no responden de igual modo en diferentes horarios, en diferente clima, ni con diferente entorno. Y eso es lo que me parece mejor describen estos sketches, un espejo de los estados de ánimo y sentimientos del hombre frente al sitio, con el cual comparte las variaciones biológicas de cada momento del día.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
21 de Septiembre, día de la primavera en esta mitad del globo. No vamos a generar vergüenza ajena alguna hablando del amor y los pajaritos, con imágenes de flores y adolescentes enamorados....así que se nos ocurrió permitirnos algo de poesía, que luego se transformó en un texto de Julio Cortázar.
"Instrucciones para subir una escalera" posee un humor sutil y un poder de observación hacia lo cotidiano que lo hace sumamente divertido...y ya que estamos, aprovechamos para adjuntar fotos de escaleras muy famosas a modo de trivia, que esperamos resuelvan velozmente así pueden ir a consolidar su amor en los parques de vuestra ciudad...
Instrucciones para subir una escalera"Nadie habrá dejado de observar que con frecuencia el suelo se pliega de manera tal que una parte sube en ángulo recto con el plano del suelo, y luego la parte siguiente se coloca paralela a este plano, para dar paso a una nueva perpendicular, conducta que se repite en espiral o en línea quebrada hasta alturas sumamente variables. Agachándose y poniendo la mano izquierda en una de las partes verticales, y la derecha en la horizontal correspondiente, se está en posesión momentánea de un peldaño o escalón. Cada uno de estos peldaños, formados como se ve por dos elementos, se sitúa un tanto más arriba y adelante que el anterior, principio que da sentido a la escalera, ya que cualquiera otra combinación producirá formas quizá más bellas o pintorescas, pero incapaces de trasladar de una planta baja a un primer piso.
Las escaleras se suben de frente, pues hacia atrás o de costado resultan particularmente incómodas. La actitud natural consiste en mantenerse de pie, los brazos colgando sin esfuerzo, la cabeza erguida aunque no tanto que los ojos dejen de ver los peldaños inmediatamente superiores al que se pisa, y respirando lenta y regularmente. Para subir una escalera se comienza por levantar esa parte del cuerpo situada a la derecha abajo, envuelta casi siempre en cuero o gamuza, y que salvo excepciones cabe exactamente en el escalón. Puesta en el primer peldaño dicha parte, que para abreviar llamaremos pie, se recoge la parte equivalente de la izquierda (también llamada pie, pero que no ha de confundirse con el pie antes citado), y llevándola a la altura del pie, se le hace seguir hasta colocarla en el segundo peldaño, con lo cual en éste descansará el pie, y en el primero descansará el pie. (Los primeros peldaños son siempre los más difíciles, hasta adquirir la coordinación necesaria. La coincidencia de nombre entre el pie y el pie hace difícil la explicación. Cuídese especialmente de no levantar al mismo tiempo el pie y el pie).
Llegando en esta forma al segundo peldaño, basta repetir alternadamente los movimientos hasta encontrarse con el final de la escalera. Se sale de ella fácilmente, con un ligero golpe de talón que la fija en su sitio, del que no se moverá hasta el momento del descenso."
Historias de Cronopios y de Famas, Julio Cortázar. Buenos Aires, 1962, Editorial Minotauro.
Referencias rápidas al trivia 16: Una escalera pertenece a una casa de la música, otra a un centro cultural-mediateca, otra a una biblioteca y dos a viviendas. Todas son Europeas proyectadas por arquitectos Europeos y la mayoría pertenece al siglo 20. Suerte.
Bueno, está bien, me convencieron...les dejo la foto de la Flor de Eduardo Catalano en el Palermo de Buenos Aires, junto con el amor de una pareja que demuestra sus sentimientos allí, al pie de la escultura cinética.
Buen fin de semana y Feliz Primavera!!!
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Analizar las estructuras orgánicas e inorgánicas ha sido desde siempre la principal fuente de inspiración en la construcción, dado que representa el único manual heredado por el hombre. Las síntesis de las geometrías utilizadas a diario responden mas a un simplificación de los procesos de producción que a las cadenas de esfuerzos correspondientes a grandes escalas. Cuanto más complejas tiendan a ser las estructuras, más se acercan a engranajes biológicos, que otorgan soluciones probadas en la física real. En el interior de los Jardines Botánicos del Bicton Park, ubicados en Devon, Inglaterra, junto a la parquización desarrollada desde 1735 y basada en el diseño de André Le Nôtre, el distinguido autor de los jardines de Versalles, se encuentra un invernadero que es parte esencial de la historia. Entre los años 1818 y 1835, se construyó una de las estructuras de formas curvas más antiguas con hierro y vidrio, cuyo autor se presume fue John Claudius Loudon. En este pequeño ejemplo del siglo 19 queda claro cómo con imaginación, técnica y reelaboración de las clases de las especies vegetales, que formaban parte del mundo que rodeaba a estos personajes y para la cual destinaban sus esfuerzos, se alcanzaban piezas distinguidas. Noten las formas de cada panel y su unión levemente superpuesta que sigue utilizándose con la tecnología actual. Ideal para organizar mañana el picnic del día de la primavera.
Las imágenes fueron tomadas de la Web y pueden tener derechos.
Página oficial: http://www.bictongardens.co.uk
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Desde el comienzo de su carrera, asociado a Norman Foster primero y luego a Renzo Piano, Richard Rogers se ha preocupado por mostrar junto a la presentación de cada proyecto, la síntesis del proceso de diseño. Una posición sumamente pedagógica que agradecemos por demás, generalmente actuando como pequeñas clases breves de confección de croquis e ideogramas. No es sorpresa alguna que en su actual página de la Web, las obras esten descriptas desde su idea generatriz, o por lo menos desde la que terminó torciéndole el brazo a las demás. Un festival de esquemas que les recomiendo no perderse. Adjunto algunos como aperitivo, y como es costumbre que funcionen las imágenes como un Triva: corresponden a obras en Madrid, Berlín, Barcelona, Roma y Londres (2). Suerte
Esquemas tomados de http://www.rsh-p.com
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Imaginemos a un historiador o escritor de ensayos como a un cocinero. La heladera es la historia, y dependiendo de qué plato se elija confeccionar, seleccionaremos las materias primas, los elementos y artefactos de la cocina y por supuesto aportará a la distinción, especies y toques personales. Si no es hábil en la profesión, repetirá mismos ingredientes, mismos procedimientos y comeremos siempre lo mismo, aunque disponga un título imaginativo para cada plato. Desde que leí esta nota hace más de diez años, y de la cual transcribo sólo la última parte, me asombró la habilidad de Chris Abel para moverse muy suelto entre los hechos de la historia e hilvanar un escrito claro, y bien fundamentado. Muchos ingredientes no aseguran un buen plato, y conseguir un equilibrio y sabor entre ellos requiere de conocimiento y seguridad en las relaciones. Y sobre todo no alejarse del objetivo principal trazado. Espero lo disfruten.
"Local Space, Global Mind. Japanese space concepts, which are fundamentally different from the logocentric Western concepts Tschumi et al seek to escape, may provide other valuable lessons. In the Western tradition of geometrically defined space, the designer assumes a more or less passive observer, able to grasp the entire space concept from a static viewpoint. The designer’s vision is total and complete in itself; the observer, merely partakes of what has been wholly predetermined by someone else. By contrast, the Japanese tradition of movement space assumes a mobile observer and constantly changing viewpoint. In place of a single, unitary view, Sukiya Style houses and gardens offer a series of sequential experiences whose spatial relations are invariably obscured by discontinuous or intervening events. The observer knows where has he been, but not where is going. Japanese architecture offers up an incomplete world inviting participation. It exists as much in the observer’s mind as it does in the designer’s, whose work is meaningless without the other’s involvement. All this, it may be noted, is achieved in building terms by the use of a basically simple rectangular module, the tatami, used in a loose and irregular fashion. Neither does Japanese architecture pretend to be all things to all men, nor succumb under the weight of its own intricate cosmology. Each building or garden offers a highly localized experience, so that the universal and particular co-exist in subtle and complementary relations appropriate to the scale of the design. Though Western Modernists were influenced by Japanese architecture, the decentric quality of Japanese space was lost on most of them, including Frank Lloyd Wright, who imposed his own hierarchical compositions and values, negating whatever qualities of openness he strove for. Hans Scharoun recaptured the idea of movement space for postwar Modernism, producing a series of complex sequential spaces which can only be appreciated by passing through them. Preferring non-orthogonal geometries, he also showed they needed just as mush, if not more discipline and restraint as conventional forms. At the Berlin Philharmonic, Scharoun achieved in three dimensions what Japanese had only achieved in a horizontal plane, creating a stunning space in the entrance foyed best experienced when full of strolling concert-goers. Where Scharoun’s spaces represents a conceptual shift from West to East, Tadao Ando’s work represents and equivalent shift from East to West. While Ando’s handling of movement space and his sensitivity to nature derive from local traditions, his recent compositions strongly resemble those of Russian Constructivists and Suprematists of the 1930s. Like Chernikov, Leonidov or Malevich, Ando favours simple shapes arranged in a free fashion. The resultant complexity and dynamic quality in his work arises from the tension between the purity and simplicity of the rectangular and circular forms of the different elements, and their free juxtaposition and intersections, which often disrupt the simpler order. However, unlike most Constructivists, and certainly unlike most so-called Deconstructivists, Ando restricts the number of distinct elements and controls their fragmentation in accord with the scale of his programme, and not least with the landscape, to wich everything in his architecture answers. Like the best work of other modern regionalists, Ando’s architecture simultaneously reflects both the local space of nature and the global mind of human culture, of which the Internet and cyberspace are now a fast growing part. We have yet to see what kind of architectural dialogue might be produced out of a conjunction of all the technological, social and cultural developments described here. But for the time being, Ando’s simple shapes arranged in complex relations provide an appropriate metaphor for the changing world we now inhabit, and for the evolutionary processes which have made it the way it is."
Ultimo párrafo del artículo titulado "VISIBLE AND INVISIBLE COMPLEXITIES", escrito por Chris Abel y publicado en la Architectural Review en Febrero de 1996.
Las imágenes corresponden a Casas de Té Japonesas en Los Angeles, Capilla del Monte Rokko de Tadao Ando en Kobe, Instituto Lenin de Iván Leonidov y Filarmónica de Berlín por Hans Scharoun; fueron tomadas de la Web y pueden tener derechos.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky.
1- Vaso Savoy, Alvar Aalto y Aino Marsio en 1936.
2- Museo del Transporte, Glasgow, concurso ganado en 2007 por Zaha Hadid
Curva irregular cerrada 'extruída' en un path irregular, vean la imagen inferior de uno de los extremos del museo para despejar duda alguna.
Imágenes del Museo tomadas de www.worldarchitecturenews.com
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Con el cambio de siglo, un nuevo arte se eleva entre el desarrollo de una tecnología adolescente y la libertad de los artesanos creadores. Primera parte del Sin Comentarios doble, dedicado a Zaha Hadid, del día de hoy.
Imágenes correspondientes a escritorios diseñados por Henry van de Velde (1862-1957) en 1898 y Zaha Hadid (1950-) en el 2006.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky
