martes 30 de octubre de 2007

Torre Repsol-YPF: Entrevista a César Pelli



Reproducimos la entrevista que la periodista Mabe Vega realizó con el arquitecto Cesar Pelli, para la agencia Noticias Argentinas, en el espacio de la última Bienal de Arquitectura que se realizó en Buenos Aires.

Buenos Aires 21 de setiembre de 2007

Cesar Pelli: ”Amar la arquitectura, por sobre todas las cosas”
El internacionalmente laureado arquitecto Cesar Pelli, de la mano del avance tecnológico y con los más elevados conceptos arquitectónicos vigentes en el mundo desarrollado, presentó recientemente en Buenos Aires la nueva sede corporativa de la petrolera Repsol YPF en el barrio porteño de Puerto Madero, a inaugurarse el año próximo.
El famoso realizador nacido y graduado en Tucumán, que emigró joven a los Estados Unidos y está considerado uno de los diez mejores arquitectos del mundo, agradeció, con la modestia que lo caracteriza, la posibilidad que le brindo la compañía de construir una mega obra en Buenos Aires, ciudad a la que calificó como una de las más "maravillosas" del planeta.
Autor del diseño original de la torre que se levanta en Machaca Güemes y Juana Manso y que demandó una inversión de 134 millones de dólares, Pelli explicó que el edificio utilizará en su funcionamiento tecnología de última generación y destacó principalmente la incorporación de una inmensa área en altura destinada a un jardín de invierno donde se incluirán plantas y árboles autóctonos.
Ese jardín de invierno de quíntuple altura, que se extenderá entre los pisos 26 y 31 en armonía con la parquización exterior y la pérgola de acceso, será un hecho distintivo del edificio, cuyas oficinas contarán con la automatización y optimización de todos sus sistemas de seguridad, comunicaciones, electricidad y confort, a través del uso de tecnología de punta que permitirá integrar y controlar los diferentes equipos e instalaciones.
Las torres Petronas, en Malasia; la torre de Boston, Estados Unidos; y el museo subterráneo de Osaka, Japón, son algunas de las numerosas obras emblemáticas del mundo que llevan la firma de Pelli.
Todas fueron concebidas con una de las cualidades que más lo distinguen, como es su sentido humanista, aquel que le permite trabajar con los últimos materiales creados por el hombre y mezclarlos con la esencia misma del lugar donde se implementa la obra arquitectónica.
El edificio para la nueva sede corporativa de Repsol YPF, construido sobre un terreno de 8.500 metros cuadrados, contará con una superficie de 75 mil metros cuadrados y albergará 2.000 puestos de trabajo repartidos en 36 pisos, con 33 de oficinas, 3 subsuelos y 48 cocheras.
Consultado sobre cual será el futuro de las ciudades del mundo, el reconocido arquitecto prefiere no arriesgar ninguna opinión. En todo caso, se anima a pensar que el futuro estará puesto en las “escuelas, un lugar donde Pelli centra sus mayores expectativas y donde considera que deben estar los niños y jóvenes, “desarrollándose en grandes espacios y con mucho aire libre".
A los 81 anos, Pelli sostiene que el "el futuro no va a ser nunca como nos imaginamos. Será lo que será", pero en cambio, agrega, “lo que sí sé es que el futuro está en las escuelas".
En ese sentido, el arquitecto se remonta a su niñez y recuerda : “yo tenía un libro que me encantaba de chico, que proyectaba las ciudades futuras. Por ejemplo, mostraba aviones con muchas alas y desde ellos se tiraban cartas hacia los techos de las viviendas. Se veían allí una serie de cosas que hoy uno las ve y parecen ridículas. Pensemos, por ejemplo, en la novela "1984" (de George Orwell) y ya es el pasado.
Por otra parte, ha definido a Buenos Aires como una de las ciudades mas hermosas del mundo, con mucha vida social (para ello puso de ejemplo que hay una cafetería “al lado de otra”), con veredas anchas y zonas peatonales como muy pocas metrópolis del mundo.
“Para mí, lo más hermoso que tiene Buenos Aires es ésa extraordinaria riqueza del ámbito peatonal. No creo que haya otra ciudad igual en el mundo. Quizás sólo París se aproxime”.
Y reconoce el nivel internacional que ha adquirido la ciudad, al decir que “hoy, si paso por Buenos Aires, veo en las vidrieras las mismas cosas que veo en Nueva York o en Hong Kong. A lo sumo, hay ligeras diferencias, pero por lo general se venden las mismas cosas, con las mismas marcas. Por eso, yo trato de meterme en las raíces, en las características de cada lugar al que voy a trabajar”.
Al respecto, Pelli sabe lo que es enfrentarse a la historia, al patrimonio del mundo, o construir junto a lugares “sagrados” de la vida de las ciudades, como en el caso de La Giralda, en Sevilla.
“A un lugar como Sevilla, con La Giralda, entro con gran respeto, me saco el sombrero y, si hace falta, me arrodillo. Lo hago con mucho cuidado. Al edificar allí, para mí, la verdadera competencia fue La Giralda, qué hacía yo en relación a ella y resolví hacer algo muy sencillo. Sería un error hacer algo que llame la atención”, resaltó.
En tanto, a la hora de hablar como profesor universitario ---que lo ha sido por mucho tiempo---Pelli no olvida de aconsejar a los jóvenes profesionales argentinos y a los de cualquier país, de la siguiente manera : “lo principal es que estén seguros de que aman la arquitectura, porque sino va a ser una frustración terrible. La Arquitectura cuesta y es difícil hacer dinero, porque uno depende de los clientes. Por eso, uno tiene que estar seguro que ama lo que hace y puede aguantar el sube y baja”.
Las imágenes fueron cedidas por el arq. César Pelli para acompañar la entrevista.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

lunes 29 de octubre de 2007

SC 28: Secciones esféricas de Saarinen y Foster


Sin Comentarios nº 28, dedicado a la morfología monovolumen de Saarinen y Foster
1- Auditorio Kresge, MIT Cambridge USA, 1950-1955, Eero Saarinen
2- American Air Museum, Duxford Cambridge UK, 1987-1997, Norman Foster

domingo 28 de octubre de 2007

Un Arquitecto del Humor: VIUTI


Roberto López, arquitecto, fue un humorista gráfico muy popular que utilizó el nombre artístico de VIUTI. Lamentablemente falleció muy joven, pero aun quedan sus dibujos publicados tan propios de un estilo personal, una observación aguda...y de una mano de arquitecto -sin duda-.
Continuando con nuestra veda electoral, les dejamos algunas de sus obras publicadas en el libro ¿Quién es VIUTI?, editado por Ediciones de la Flor en el año 1976, en el cual tengo el autógrafo -que también adjunto-en su primer hoja, que me regaló en una Feria del Libro en mi prehistoria, allá por 1981. Hoy tengo la oportunidad de devolver de algún modo aquella gentileza, recordándolo tantos años después con los trazos que nos legó.
Y por favor voten en forma conciente, a quien crean conveniente. Estamos eligiendo un presidente, no un consejal. Muchas Gracias (Esto fue un mensaje a la comunidad)
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

sábado 27 de octubre de 2007

Un Personaje del Humor: TUTE



Tute es un artista que produce obras de la más alta calidad. Y generalmente desenvuelve sus habilidades en el área del humor. Ha heredado de su padre (el prócer Carlos Loiseau, más conocido por CALOI, papá de muchos personajes porteños como Clemente y por ende éste hermano de Tute..entonces...ojo TUTE que la mulatona es tu hermana!!) esa rara mezcla de dibujo y pocas pero ajustadas palabras que transforman un simple papel en un lugar de reflexión. Dos puntos en común unen a ambas generaciones y las distinguen del resto de los humoristas argentinos: la búsqueda permanente por una belleza plástica singular y el humor cargado con mucha melancolía y poesía, no la intelectual que caracteriza a alguien como el genial Liniers sino aquella que busca resguardarse en lo más profundo de nuestro corazón.La poesía-tango llevada al humor tan propia de los cuadros domingueros de Caloi.
Los invitamos a disfrutar de sus obras en las dos direcciones en que nos presenta parte de su material en la web: http://tuteblog.blogspot.com/ y http://www.tutehumor.com.ar/

Imperdonable no pasar a visitarlo
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Encuentro DISOLUCIONES sobre PRACTICAS URBANAS, en Santiago por AP


Cedemos el espacio de nuestro blog para dar un aviso sobre el encuentro que APARIENCIA PUBLICA esta preparando para los próximos días. Esperamos puedan concurrir.

Apariencia Publica invita al seminario DISOLUCIONES sobre PRÁCTICAS URBANAS. Disoluciones desarrollara los temas LOGICAS PROYECTUALES e IMAGINARIOS URBANOS sobre la base de una serie charlas, exposiciones y debates de prácticas urbanas.

Fecha: 29, 30, 31 de Octubre / 5 y 6 de Noviembre
Horario: desde las 18:00 hrs. a 20:30 hrs.
Lugar: AULA MAGNA Universidad Central Centro de Extensión UCEN
Lord Cocharane 418 – comuna de Santiago
CHILE

Disoluciones sobre prácticas urbanas es una construcción colaborativa que se desprende del colectivo Apariencia Publica y tiene por objeto convocar a una serie de profesionales, arquitectos, urbanistas, sociólogos, artistas visuales, activistas y estudiantes en torno al tema de la ciudad contemporánea como escenario de manifestación de las nuevas formas de vida urbana. Esto a partir de la lectura de ciudad tecnologizada donde desarrollan las distintas maneras de vivir en el siglo XXI. Las producciones culturales son parte de nuestra memoria y huella, y además son una manera de hacer presente de que forma hemos construido y estamos construyéndonos sobre la base de este próximo BICENTENARIO de Chile.
De esta manera, DISOLUCIONES se propone mediante este ciclo de charlas a debatir sobre la temática urbana con una duración de dos semanas
El programa y detalles lo podrán encontrar en el blog: http://aparienciapublica.blogspot.com/


PROGRAMA
DIA 1 LUNES 29 DE OCTUBRE DE 2007
"La crisis de los sentidos de orden en la arquitectura contemporánea"
18:00 18:30 COLECTIVO APARIENCIA PÚBLICA
18:45 19:30 CRISTIAN FRIAS / Arq. UCEN
19:45 20:15 COLECTIVO CRIPTONITA
lugar auditorio AULA MAGNA / Universidad Central

DIA 2 MARTES 30 OCTUBRE DE 2007
"Infiltraciones temáticas y nuevas formas de habitar la ciudad"
18:00 18:30 MARIO SOBARZO
18:45 19:30 SERGIO ROJAS
19:45 20:30 CARLOS OSSA
lugar auditorio AULA MAGNA / Universidad Central

DIA 3 MIÉRCOLES 31 DE OCTUBRE DE 2007
"Acción Subalterna"
18:00 18:30 COLECTIVO APARIENCIA PÚBLICA
18:45 19:30 COLECTIVO TUP
19:45 20:30 JORGE GARCIA DE LA CAMARA
lugar auditorio AULA MAGNA / Universidad Central

DIA 4 LUNES 05 NOVIEMBRE DE 2007
Infiltraciones temáticas. Estado de la CUESTION / Proyecto de Arquitectura y su contemporaneidad
18:00 18:30 GREGORIO BRUGNOLI
18:45 19:30 MARIO MARCHANT
19:45 20:30 MARCO VALENCIA / JOSE LLANO
lugar auditorio AULA MAGNA / Universidad Central

DIA 5
MARTES 06 NOVIEMBRE DE 2007 El lugar del patrimonio y las prácticas culturales
18:00 18:30 PATRICIO GROSS
18:45 19:30 JOSE DE NORDENFLYCHT
19:45 20:30 PAULINA VARAS
lugar auditorio AULA MAGNA / Universidad Central

viernes 26 de octubre de 2007

SC 27: La casa de la Jirafa y el acceso a la Iglesia de Alvaro Siza


Sin Comentarios nº 27: Los Accesos y una Cuestión de Proporción
1- La Casa de las Jirafas en el Zoo de Londres, 1836-1837, de Decimus Burton (ver art. del 2/8/07)
2- Iglesia y Centro Parroquial en Marco de Canavezes, 1990-1997, de Alvaro Siza Vieira
Dado que en nuestro país, Argentina, estamos ya bajo el manto de la veda electoral y para que nada quede librado a la interpretación en favor de uno u otro candidato, he decidido que durante este fin de semana el blog le ceda el espacio a lo que seguramente ningún político nos ofrezca cuando se siente en el sillón presidencial: el Humor!
Editado por el Arq. Martín Lisnovsky

jueves 25 de octubre de 2007

Encuesta 8: La obra de Louis Isadore Kahn


Aquí están los resultados de la encuesta nº8 dedicada a los proyectos representativos de toda la obra arquitectónica del maestro Louis I. Kahn. No sorprende el primer puesto, ya que es generalmente la obra más conocida y elogiada tanto por alumnos como por los docentes universitarios.
Es justo nombrar al mago que hizo posible la altísima calidad estructural en esta obra, el ingeniero August E. Komendant. Por casi 18 años arquitecto e Ingeniero elaboraron en forma conjunta una gran cantidad de obras maestras, enseñándonos que la reciprocidad, la confianza y el respeto de cualidades profesionales en el trabajo en grupo es el mejor punto de partida para los grandes sueños.
Si sorprende la alejada ubicación de las obras en la India, que en lo personal no aprecio mucho pero si los estudiantes de los últimos niveles, a diferencia de la Galería de Arte de Yale, anteúltima, un proyecto muy ajustado en carácter y calidad espacial, que no dudo en incorporar como un gran ejemplo en las teóricas.
Gracias a todos los que participaron y los invitamos a incorporar su opinión en una nueva encuesta, esta vez dedicada a la creatividad de los proyectos de la década del 50, en donde se hizo difícil seleccionar a los pocos participantes.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

miércoles 24 de octubre de 2007

La arquitectura referencial, la maldición de Venturi y la irreverencia de Koolhaas



Desde que algunos razonamientos intelectuales permitieron incorporar parte de las magníficas elaboraciones del período clásico, despojándolas de alma y vida -esto es sin relación a su tiempo, su contexto y su tecnología-, volutas, tímpanos, frisos y columnas estriadas han quedado convertidos en sonámbulos que aterrorizan desde espectrales fachadas.
Cuando Venturi incorporó burlas a la estructura de la simetría y elaboró collages con los elementos del pasado, a más de un “heredero de la modernidad” se le aceleró el pulso y tuvieron que pasar mucho té de tilo y sesiones de Terapia Primal (ver a Arthur Janov y su amigo Lennon) exorcizando demonios en diferentes escritos para diferenciarse moralmente. Desprovistos de todo significado contextual y constructivo, el remedo visual queda a merced de matemáticos juegos de proporciones y de estética.

Hace poco más de 15 años una casita amanecía prepotente en el barrio de Saint Cloud en París, demostrando esa rara mezcla entre habilidad, teoría y conocimiento histórico: la Villa Dall’Ava, proyectada por el equipo de OMA liderado en la figura de Rem Koolhaas. Aquí aquellos cuyos nervios se habían deshilachado enaltecían al nuevo maestro dejando sus manos rojas de aplausos y llorando de una emoción similar al reencuentro de la madre con su hijo 2 décadas después. Inundaron los textos con analogías tecnológicas, que aparentan ser tan actuales como la última tecnología pero no hacen más que confundir.


Si Venturi y sus amigos blasfemaron al Partenón, al Panteón y a todo el Barroco en sus proyectos..¿por qué no se sugiere lo mismo con la irrespetuosidad expuesta hacia ejemplos clásicos modernos como la ville Savoie y la casa Tugendhat? Descuartizadas ingresaron a la licuadora contemporánea y vieron nuevamente la luz reencarnadas en una destacada estructura. La reelaboración, la referencia irónica y el despojo de significado son primas hermanas que van de la mano y cuyos límites de comprensión muchas veces se entrecruzan, quedando a merced de los buitres que sobrevuelan en cualquier subjetividad.

La exquisita espacialidad del Piano Nóbile de la casa de Mies, sus ventanales móviles, el basamento pesado, sus paredes revestidas artesanalmente en materiales de imbatible calidad se encuentran con total honestidad en esta casita. Pero la famosa curva del comedor convertida en un biombo acanalado translúcido ya es un poco agresivo. La rampa que cose los niveles, la ventana apaisada, la corpórea atectonicidad nos retrotraen al corazón de la villa en Poissy, ahora bien, sus pilotis extra-esbeltos inclinados y de colores, atravesados por un sendero digno de una promenade entonada con alcohol es irrespetuosa. Ni hablar del cerco curvo de alambre rojo en el verde de la alfombra-cesped de la terraza coronada por el dios del jardín –la pileta- en el nivel superior.
Alejados se encuentran también del tono monocromático que domina el plano principal de la villa corbusierana (ni la verde planta baja y ni la rosada azotea);
la personalidad de los materiales de Mies cobran nuevos bríos conformando un festín de la imaginación aplicada al carácter de un proyecto. Las variantes pedagógicas de las escaleras de Poissy son aquí una universidad, inclusive la rampa se transforma en un espacio lleno de vida.

Hay varias referencias a otras obras de los mismos maestros, como la fresca espacialidad interior de la casa Farnsworth con su mueble organizador y lazos indudables con la casita platense Curutchet, con quien se comunica amablemente en la fragmentación programática, su postura frente al terreno, el carácter del acceso y un gesto de la cubierta presente en la maqueta de la Dall’Ava que fue luego eliminada.

Es un proyecto peligroso al ubicarse en esos límites donde las referencias al pasado permiten liberar el inconsciente. ¿Sería mejor proyecto si no existiesen las conexiones visibles con nuestro período clásico-moderno? Ciertamente NO, es parte inherente de su concepción. Lo mejor es comprender la estructura claramente Posmoderna y Manierista, y ubicarla en comparación con, por ejemplo, la casa de Vana Venturi, uno de los referentes obligados de la complejidad y contradicción observadas en nuestra época.
La pregunta es entonces hacia donde la creatividad se podrá despojar de su pasado, o de una obligada posición vanguardista, artificial e inconsistente, que parece exigir el momento de cambio de siglo que nos toca vivir.

Imágenes tomadas de la Web, podrían tener derechos.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

martes 23 de octubre de 2007

Hipergrilla [6/6] La Arquitectura en el Mar de su Contexto: módulo A5


Consideraciones finales para la comprensión de la Hipergrilla
La Hipergrilla no pretende dar respuestas a todos los vínculos superpuestos de nuestra historia reciente sino esbozarlos, comenzar a plantearlos. Según palabras de José Ortega y Gasset, las ideas serían las hijas de las dudas; nosotros proponemos desde el planteo del esquema de grillas contemporáneas intercaladas, la intención de generar muchas más preguntas que respuestas. Cada momento frente al cuadro gráfico tiene que tener otro consecutivo de investigación, de búsqueda. Por supuesto estamos convencidos que la Hipergrilla aporta evidentes lazos y nuevas maneras de comprensión, pero al ser estas muchas veces implícitas deberán ser descubiertas por cada uno de ustedes al recorrer los caminos del laberinto.
¿Para qué es necesario conocer el año de una obra? Para conocer y comprender el contexto; ahora si esto último pasare, ¿tiene mayor sentido no olvidarse del año? Si nuestra mente y nuestro cuerpo ya tienen lazos imborrables con el tiempo pasado…¿ por que no utilizarlos para ayudarnos a empezar a analizar una obra de arquitectura? Si es más fácil recordar un disco o un viaje que un año, bienvenida la oportunidad. Se gana un terreno arduo y un valioso tiempo.
¿Es un rompecabezas planteado con múltiples soluciones? Por supuesto, son tantas las variables como soluciones posibles. Esta es una, como fueron soluciones alternativas las versiones anteriores y lo serán seguramente las versiones futuras. Es un juego de ingenio matemático, dispuesto a divertir con sus múltiples interpretaciones.
¿Se le podría incorporar gráficos e hipertextos? La potenciaría sobremanera pero no es posible con la disponibilidad de mi tiempo; en tanto no se forme un equipo de investigadores y de diseñadores gráficos lo veo difícil, aunque no dudo del valor del objetivo por resolver.
¿Existe otro formato posible que el de la imagen? En cuestión de tamaño por supuesto que sí, ya que el cuadro gráfico fue realizado por un programa de ilustración 2d en capas separadas, es vectorial. El tamaño ofrecido creo corresponde a la disponibilidad en el blog. Solamente habría que esperar su impresión en papel para mejorar la calidad en grandes dimensiones. Hay una versión en el formato .pdf que permite buscar y encontrar palabras determinadas, lo que es valioso en este contexto, pero será publicada en otra ocasión.
En lo personal haber dejado volar la Hipergrilla es un alivio. Ahora siento que podremos trabajar en versiones y revisiones con mayor soltura y con el aporte de las opiniones varias que fueron dejando y dejarán en el blog. Gracias por los comentarios y por los mails. Y no le tengan miedo ni respeto.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

lunes 22 de octubre de 2007

SC 26: Clásicos Modernos o Modernos Clásicos, Kahn y Andreu


Sin comentarios nº 26, la Academie des Beaux-Arts presente
1- Gran Teatro Nacional de China, Beijing 1999-2007,
Paul Andreu
2- Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven 1951-1953, Louis I. Kahn
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

SC 25: Habitat en Montreal de Safdie y Ampliación Tate Modern de Herzog & dM


Sin Comentarios, nº 25
1- Conjunto Multifamiliar Habitat, Moshe Safdie, 1967 Montreal.

2- Ampliación Tate Modern, Herzog & de Meuron, 2007 Londres.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

domingo 21 de octubre de 2007

Hipergrilla [5/6] La Arquitectura en el Mar de su Contexto: módulos A4 y B1


Anteúltima entrega de los módulos de la Hipergrilla para armar. Hoy completamos el cuadro gráfico B, que es la hipergrilla con los layers exclusivos de arquitectura. Como podrán observar la subjetividad propia del investigador se encuentra presente en el orden de la misma. No solamente considero que la objetividad de la persona que enfrenta la historia es necesaria hasta cierto punto, sino que las ideas y razonamientos que despiertan en nuestra mente los peldaños que se dejan descubrir son los que terminan por consolidar el trabajo y definir su carácter. Muchos de los elementos son inamobibles, pero otros son reemplazables sin mucho más, de acuerdo a las vivencias y culturas de quien enfrente la lectura. Gracias a esta postura personal frente a la historia, es que el presente y el contexto de cada investigador termina por caracterizar el propio análisis; como planteaba Crocce, la historia se escribe desde el presente. Es el conflicto entre lo que presentan los diferentes autores que desnudan las contradicciones y alejan de cualquier estante hasta los hechos aparentemente más transparentes, ubicándolos frágilmente en el espacio para reubicarse ante nuevas hipótesis y nuevas ideas. Gracias a esa fragilidad, es que nuestra Historia resulta tan apasionante.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

viernes 19 de octubre de 2007

Hipergrilla [4/6] La Arquitectura en el Mar de su Contexto: módulos A1 y B2


Seguimos con la entrega de los módulos para armar de la Hipergrilla. Recuerden la información para su armado y las referencias se encuentran en las entregas anteriores con la etiqueta Hipergrilla. Que se diviertan y buen fin de semana.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

jueves 18 de octubre de 2007

Hipergrilla [3/6] La Arquitectura en el Mar de su Contexto: módulos A2 y B3


Tercera entrega de los módulos de la Hipergrilla; como estarán percibiendo, van tomando color las múltiples capas allí expuestas. Hoy voy a hacer hincapié sobre un tema solamente y es el de las relaciones inconcientes o no buscadas. A pesar que solo un layer escrito -el de las ideas comunes-se encuentra superpuesto al resto, la sensación de saturación gráfica invita a pensar otra cosa. En el medio de esta saturación, es que elementos contextuales forman una relación inpensada y muchas veces irónica, y hasta en algunos casos funcionan como metáfora del otro. Ese tipo de vínculos me parecen sumamente interesantes porque es, quizás, una de los elementos que más enriquecen a los datos, mejoran su comprensión y lo transforman en subjetividades personales, ya que cuando interpretamos estamos procesando según nuestra propia mirada. Sumerganse entonces en cada uno de los sectores y traten de encontrar estas relaciones que estoy seguro los divertirán un buen rato.
Recuerden que este trabajo se encuentra registrado segun leyes vigentes y requiere de mi expresa aprobación para su publicación.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

miércoles 17 de octubre de 2007

Building the Gherkin. Promocionando el Imperio Foster con un Pepino (o Ananá)



Ni Paxton, ni Brunel, ni Eiffel. El verdadero referente de la oratoria de Lord Foster es Le Corbusier, en este documental, en los libros “oficiales” del estudio y en todas las clases magistrales de sus incursiones universitarias: la seguridad plena en la propuesta, la presentación como una genialidad, la respuesta técnica adaptada a las nuevas necesidades sociales, la sensación que el mundo va a respirar felicidad con estos edificios. Dos verdades que muestran la postura: La resolución del problema sin solución y el futuro estaba ahí y ellos lo descubrieron.
No es despectivo. Muchas de sus obras son puntales en nuestra profesión, pero es la manera en que se promocionan, a veces en conflicto con genialidades propias de décadas pasadas; cuando se proyectó la Willie Faber & Dumas en Ipswich, la idea de un edificio que tomara la forma de ameba del terreno, evitando crecer en altura y recomponiendo una plaza verde en su azotea era acompañada por los simpatiquísimos gráficos de historieta mostrando la felicidad de una personaje trabajando en un edificio de crecimiento horizontal. Ahora el razonamiento es que desde que el hombre salió de las cavernas, sueña con edificios cada vez más altos ¿Dónde ha quedado nuestro personaje gordito, con bigotes y bombín, que ejemplificaba las diferencias entre el tipo urbano usual y la innovación? Para mi sorpresa, todavía en este gran Ananá son válidos aquellos dibujos.
Es el camino para promocionar el Imperio Foster, la multinacional. Casi no existen documentales oficiales en arquitectura que implícitamente o a veces ni eso siquiera promocionen a los arquitectos, pero esto es así en general en un mundo multimedia.
Uno de las temas interesantes planteados es como se vincula el proceso de proyecto con el paralelo histórico de algunos sucesos, como la reacción frente al 11-S de NY o la “inestabilidad” del Millenium Bridge, proyectado entre otros por el estudio para unir la zona de San Pablo con la Tate Modern.

Londres ya no respeta su skyline, y lo que era con Canary Warf, un centro de oficinas buscando la altura en las afueras, se muestra con orgullo ingresando en el corazón de la city. (ver artículo martes 7 de agosto, Cuando Londres rechazó un frac de Mies). Su meta es impulsar una renovación como el gran centro de negocios.
Sin embargo tenaces esfuerzos buscan edificios mejor equilibrados energéticamente, desde los planes impulsados principalmente por Richard Rogers. Es así que al margen de los gestos ananísticos o pepinísticos, la gran virtud del Swiss Re es la rotación entre los espacios verdes interiores, el recorrido del aire y la relación de éstos con la estructura y la calidad espacial. El proceso del razonamiento en estos campos se comprende claramente con el correr de los minutos.
No me he podido despegar de la idea que presentó Foster hace una década en la FADU de Buenos Aires. El HSBC de Hong Kong tenía como prioridad de diseño la imagen, y una buena parte de la fachada está forzada hacia ese predeterminado carácter, no siendo siempre el resultado expresivo de sus deseos interiores. Aquí sobrevuela la misma idea, válida en estos tiempos posmodernos pero contradictorio con las frases puritanas de nuestro amigo monocromático.
Y está la mesa de maqueta mostrando todas las ideas verificadas en ellas, una de las imágenes positivas más pedagógicas de todo el documental.
En un momento Foster expresa que de alguna manera una buena parte de sus primeros proyectos, aún los no construídos, están presentes en el espíritu del Gherkin; para alguien que ha sido coherente toda su vida con un definido camino proyectual, bien vale la remarcación de la idea. Los mejores estudios son aquellos que no pretenden empezar de cero ante cada problema, no se repiten constantemente y no exprimen la única idea exitosa cambiándole el vestido en el mejor de los casos.
Un documental con el espíritu de la línea "oficial", que sigue siendo válido para entender los procesos de diseño que con otros medios serían bastante más difíciles. Entretenido, pedagógico y ... Norman sigue utilizando más colores en sus corbatas que en sus obras.
Las imágenes fueron tomadas de la web y tienen derechos.
Building the Gherkin, 2005. Escrito y dirigido por Mirjam von Arx (www.buildingthegherkin.com)
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

martes 16 de octubre de 2007

Hipergrilla [2/6] La Arquitectura en el Mar de su Contexto, módulos B4 y B5


Con la entrega de los módulos 4 y 5 del gráfico B, adjuntamos el texto que intentó a principios del 2003, llevar claridad a la aparente y dificultosa comprensión del embrollo de la hipergrilla. El mismo fue corregido por el arq. Alberto Bellucci, quien le aportó la sintesis y poesía tan particular de sus escritos.

GUIA PARA EL LECTOR INTREPIDO

Antes de abordar la densa grilla que es motivo central de este trabajo, es importante dar a conocer las coordenadas imprescindibles para todo lector (o timonel) que se anime a navegar en el mar contextual de la arquitectura. De este modo podrá comprender las diferentes señales y los diferentes niveles de conocimiento y de relaciones que asocian a cada uno de los íconos expuestos.

El objetivo fundamental del trabajo no se limita a la identificación y ubicación de obras y arquitectos destacados del período que podemos denominar “contemporáneo” sino que busca situar a unas y otros dentro del contexto que, a mi juicio, les es pertinente. Por “contexto” entiendo el inmenso tejido de hechos y personajes que se pueden relacionar de forma directa o indirecta, especialmente los que significan inserciones, reelaboraciones y cambios teóricos, los pensamientos paralelos, opuestos y complementarios, los elementos vinculantes mediatos e inmediatos, etc.

Esta grilla, así imaginada, incluye datos desde 1845 hasta la fecha. Esta elección es deliberada, ya que es evidente que hacia mediados del siglo XIX se produce un quiebre que se aprecia en la cantidad y calidad de los acontecimientos que desde allí se precipitan para dar forma a nuestro presente. A través del análisis realizado, he podido descubrir y verificar la gestación o el desarrollo de innumerables ideas y conceptos generados a partir de 1850 (por ejemplo, la indudable vinculación entre el Palacio de Cristal y la Estación Espacial Internacional), identificando sus expresiones en los extremos y buscando el camino adecuado, con la avidez y la inquietud propia de quien recorre un laberinto.

Se buscó la conformación de grupos con características similares, trabajándolos en sus respectivas capas de análisis y de este modo se ordenó una grilla tridimensional primaria. La necesidad de ceñirse a un formato gráfico bidimensional y razonablemente reducido, llevó a sucesivas reacomodaciones donde muchos desaparecieron, otros se fundieron y otros se redujeron a su mínima expresión. Por cierto aquí primó –como no podía ser de otro modo- un criterio selectivo personal, atento a priorizar el campo arquitectónico y los hechos más afines para su comprensión. Solamente las “Ideas Generales”, que suponen motivos conductores e informan sobre criterios básicos o globales, se superponen al resto sumergidas en una capa ordenadora de base.
Es preciso destacar el pequeño peldaño de complejidad que se ha agregado, en el cual se permite a ciertos elementos neutros o no, desplazarse para remarcar contrapuntos propios de la época. Todos los otros datos flotan en distintas formas y colores, dialogando con sus adyacentes (1).

(1) En un principio había decidido dejar espacios en blanco para que el lector pudiera llenarlos según sus experiencias y recuerdos; cierta ansiedad y egoísmo de mi parte acabaron por hacerlos desaparecer. Espero poder reabrir esa variante en un futuro cercano, quizás cuando pueda accederse a un medio más apropiado a ese fin.

A diferencia de la fecha de finalización o inauguración de las obras, que es el dato generalmente ofrecido por las publicaciones del sector, las obras de arquitectura seleccionadas en esta grilla están ubicadas –en su mayor parte- en coincidencia con el año de su génesis. Sin embargo, las obras correspondientes a la cultura general usualmente se descubren en su momento de conocimiento al público; creo que así resultan más evidentes el conocimiento y la comprensión de las ideas y conceptos que pudieron haber influido en mayor o menor medida sobre el tablero de los proyectistas, permitiendo ubicarnos junto a ellos en el momento de la creación.

Muchas veces la elección de un proyecto determinado sobre otros de igual autoría, no sólo señala su valor intrínseco como tal sino que representa un mojón significativo en la parábola creativa o en la historia del proyectista individual o del estudio profesional respectivo.
Cuando se trata de hechos cíclicos o reiterativos (Olimpíadas, exposiciones, campeonatos mundiales, Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna, etc.) se ha optado por incluir sólo los especialmente representativos.
La mirada sobre nuestro país ha privilegiado el aspecto social y político por sobre la reseña de la obra de arquitectura, si bien la selección incluye los edificios, conjuntos y autores de mayor importancia. Esto se aprecia especialmente en las últimas cinco décadas del siglo XX, donde sólo aparecen destacados tres arquitectos o estudios -Clorindo Testa, Mario Roberto Álvarez y el combo M|SG|S|S|S - que trabajaron o trabajan intensamente en el país y que considero sumamente representativos de teorías y tendencias de su tiempo.
Hay datos que explican por sí solos su aparición (las diversas guerras que se sucedieron, por ejemplo), en otros casos la frase o palabra indica un determinado desarrollo tecnológico (el teléfono, las vitaminas, etc.), a veces también un icono necesita de un dato cercano como complemento (Ej.: la película “El Cantor de Jazz” y la incorporación del sonido en el cine en la década del ‘20). Pero existe una buena cantidad de asociaciones que se harán evidentes o posibles sólo a través de la investigación, la imaginación y el esfuerzo de cada lector (ej.: Blancanieves y los Siete Enanitos de Walt Disney fue el primer largometraje de animación, así como Toy Story, distribuído por la misma empresa, fue la primera película de animación íntegramente en tres dimensiones).

El cuerpo de letra utilizado para las distintas menciones indica el nivel de influencia del hecho en un determinado momento, y dado que a medida que se avanza en el tiempo aumenta la cantidad de datos, los hechos más recientes acrecen de un “espacio” similar al de los del siglo XIX. Desde ya, esta comprensión tipográfica no implica un grado menor de importancia relativa.

El nivel de síntesis exigido y el efecto buscado en esta grilla desaconsejaron la incorporación de gráficos e imágenes. Es posible que en nuevas ediciones se pueda llegar a incluirlos, ya que una adecuada integración de textos e imágenes puede resultar didácticamente positiva. Sin embargo, no lo veo como esencial en esta etapa. Por una restricción similar, tampoco se citan fuentes bibliográficas que, por otra parte, tomarían una extensión incalculable y en definitiva, poco provechosa.
La decisión inicial de utilizar solamente el español debió flexibilizarse frente a la (¿mala?) costumbre actualmente de moda de mezclar palabras y modistos de otras lenguas y tomarlas como propias, así como observar cierta fidelidad hacia las denominaciones universales.

Sumergirse en este mar contextual requiere conocimiento, interés y paciencia. Quizás resulte complejo en un comienzo (la propia historia lo es), pero navegando con pericia en medio del oleaje se podrá llegar a buen puerto sin inconvenientes; durante el viaje irán apareciendo frente nuestro un imprevisto panorama de relaciones entre fenómenos y obras, un paisaje de alternativas fascinantes que quizás nos impulse a modificar rumbos y enriquecer itinerarios con hallazgos sorprendentes. Por lo menos es lo que me ha sucedido luego de un largo año de timonear en este mar sin fin, del cual ahora diviso un faro de destino.

Editado por el arq. Martín Lisnovsky
Ver etiqueta Hipergrilla para armar este rompecabezas

Hipergrilla [1/6] La Arquitectura en el Mar de su Contexto, módulo A3 y referencias


"La arquitectura es siempre la expresión espacial de la voluntad de una época", Mies van der Rohe, 1924

Finalmente, la hipergrilla “La Arquitectura en el Mar de su Contexto” empieza a salir hoy a la luz. Gestada a mediados del conflictivo 2002 como búsqueda de un orden histórico, su objetivo principal fue mostrar el nacimiento de las obras de arquitectura dentro de su propio universo, el contexto que rodaba al arquitecto en el momento creativo en que empezaron a tomar forma. Sus múltiples capas superpuestas -léase múltiples grillas superpuestas- desestiman la idea de una visión lineal de varios razonamientos historiográficos y nos acercan a multiplicidad de ideas y condicionantes, complementarios y contradictorios en general, donde comenzamos a valorar la selección de las decisiones tomadas. Esta versión está firmada en enero de 2006, con lo cual ya lleva más de un año; durante ese período y como apoyo al desarrollo de un ensayo he realizado varias investigaciones cortas que definieron un cambio en algunos sectores, aunque deberán permanecer como bocetos hasta su cierre programado a mediados del 2008. Es por esa razón y alguna otra que, al margen de subjetividades y posturas frente a la historia, todavía no había decidido incluir elementos como el libro de Edwin Panofsky de 1927, La perspectiva como forma simbólica y la explosión urbana de los últimos años en el sudeste asiático y particularmente China.
Con la publicación de cada uno de los módulos incorporaré algunos textos convenientes que mejorarán su comprensión; deberán ser pacientes hasta poder terminar de armar las piezas de este rompecabezas.
Son dos cuadros gráficos. El primero es el A, tiene 5 módulos numerados correlativamente y contiene la versión con todos los layers. El segundo es el B, y sólo contiene lo estrictamente arquitectónico. Para armarlo, tienen que abrir el archivo en algún editor de fotos, ampliar el 'canvas' y pegar los módulos que se vayan editando. La versión completa de cada uno mide 5355x2067 píxeles. El ícono del blog se encuentra en las uniones superiores e inferiores para ayudar a la justa unión entre las partes. Cada día habrá un gráfico que señale el lugar del módulo en el armado general. Además he incorporado en esta entrada dos señaladores con las referencias, que pueden imprimir para seguir el cuadro principal.
Más tarde los dos módulos iniciales del rompecabezas B y más palabras para ir mejorando la comprensión del ensayo. Espero les divierta tanto como a mí.

Agradecimientos muy especiales:
al arq. Gustavo Brandariz: porque esta grilla es el resultado de un desvío inesperado en una serie de escritos incentivados vivamente por él, todavía inéditos; porque una buena parte de los hechos y personajes incluidos fueron producto de las largas charlas que aún mantenemos los viernes en la facultad y principalmente por creer en mi capacidad y seleccionarme para ejercer como profesor de historia.

al arq. Alberto Bellucci: porque fue el único que ante la locura desatada –impresa mejor dicho- tomó los bocetos e hizo el intento de verificar sus relaciones y porque su mirada de la historia de la arquitectura vino siempre acompañada de un complejo contexto tal cual intento mostrar aquí.

al arq. Jorge Gazaneo: porque sus tan especiales teóricas desarrolladas durante más de 15 años ante mis ojos se encuentran incluidas en la hipergrilla de una u otra manera.
al arq. Norberto de la Torre: por la manera de relacionar los hechos, de estar atentos ante relaciones que no parecen ser tales y por enseñarme que los caminos nunca son tan lineales.

al arq. Alberto Alfaro: por enseñarme a ser riguroso con los documentos, ir a las fuentes, ser objetivo y mostrarme caminos alternativos a mis razonamientos.

a Norma del Carmen Rung, mi esposa, por no llamar al manicomio observando como me sumergía en esta locura en aquellos meses de gestación del 2002 y terminar aceptando que el fruto de esta especie de ensayo gráfico e histórico bien valía el esfuerzo.
...a todos lo que tomaron conocimiento de la grilla en estos años, me incentivaron para que siga adelante y tuvieron que resignarse a mi decisión de no mostrarla hasta esperar la propuesta oportuna, que se demoró en llegar; finalmente les empiezo a pagar mi deuda.

..a los editores que no la entendieron o no se animaron y al que finalmente enarbolará los laureles al llevarla al papel, que desconozco quién será pero confío en seguir escuchando ofertas..


Editado por el arq. Martín Lisnovsky

lunes 15 de octubre de 2007

Wallpapers en los festejos por el Segundo Centenario












200 artículos! En conmemoración por este momento particular en el cual nos felicitamos al haber llegado a este número redondo de entradas, hemos diseñado una serie de Wallpapers ya que no recibimos la autorización del Correo Argentino para editar estampillas para emails. Elegantes, para pantallas wide, ideal para la laptop de la dama o la notebook del caballero -ya le doy señora-, pueden aprovechar como regalo en este domigo próximo a sus respectivas madres -no olviden el día de la madre, recordarlo a tiempo siempre es una buena inversión- o inclusive a sus suegras -todos los días es el día de la suegra-; conmemoran momentos sublimes pletóricos de creatividad y que apelan a nuestra más profunda sensibilidad, si es que en verdad así lo hiciesen.
Les agradezco a toda la gente que nos acompaña diariamente, a los que dejan comentarios y mails, y muy especialmente a aquellos que fueron aportando material invaluable que nos ha nutrido en innumerables ocasiones: arq. Gustavo Brandariz, arq, Norberto de la Torre, arq. Alberto Alfaro, arq. María de la Paz Molinari, arq. Juan Diego Martínez, arq. Florencia Zungri, todos ellos parte motora de la cátedra de historia Brandariz, y a Raquel y su equipo de la Librería Concentra.
Saludos a todos y recuerden, a partir de mañana, publicamos en módulos dos versiones de la edición 2006 de la Hipergrilla "La Arquitectura en el Mar de su Contexto, guía de navegación histórica 1845-2006", que permaneció inédita por tanto tiempo y donde, les aseguro, he vaciado gran parte de mi cabeza, que no es poco.
Y repetimos nuestra frase ad-honorem: Estamos trabajando para usted.

Editado por el arq. Martín Lisnovsky

domingo 14 de octubre de 2007

Tadao Ando en precisas palabras


..."Las referencias ocasionales de Ando a la Historia de la Arquitectura se formulan desde el conocimiento práctico de las necesidades básicas del hombre y desde cómo el uso respetuoso de los materiales no sólo puede encerrar sino tambien dignificar el espacio y a aquellos que lo habitan"...
Extraído de..Michael Auping. Tadao Ando,
conversaciones con Michael Auping.
Editorial GG, Barcelona 2003
Maravilloso libro del que hablaremos próximamente como se merece.
Las imágenes de la obra de Tadao Ando fueron tomadas de Flickr y tienen derechos.

sábado 13 de octubre de 2007

Trivia 19: ¿Espejito, espejito, quién 'soy' el más bonito?




Un desafío muy difícil para conocedores de la historia y del mundo que nos rodea.
Una verdadera danza en la Feria de las Vanidades en que nuestras ciudades se han convertido y que deforman a los maestros arquitectos en estrellas hollywoodenses, incluso a los clásicos. Un poco de ego está bien, pero entre todos lo inflamos demasiado quizás. Casi ninguna pista para que este trivia sea una contienda digna de apasionados.
1- Edificios en Europa, Estados Unidos y un ejemplo en Japón.
2- Tres ejemplos son anteriores a la segunda guerra mundial.
3- Un arquitecto, ya fallecido, tiene unas fotos publicadas en un libro de un famoso arquitecto argentino de hace una década, en la galería de la casa del Tigre, única vivienda proyectada y construída por este arquitecto para sí mismo.
4- Viviendas y lugares para el trabajo, algunos ejemplos pos-modernos y otros muuuuy modernos.
5- Ninguno de los arquitectos participó en los coros de la grabación original de "Siga el baile, siga el baile!" liderada por la inconfundible voz de Alberto Castillo, el cantor de los cien barrios porteños. Pero envueltos en un clima festivo, lo bailarían muy contentos en cualquier momento y en cualquier lugar. Opa, opa!!
Suerte y Muy Buen Fin de Semana.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

viernes 12 de octubre de 2007

Jean Nouvel, un personaje con palabras divertidas


¿Cómo nace un proyecto?
Empezamos a dibujar un proyecto muy tarde, cuando todas nuestras decisiones, a partir de lo que yo llamo las “reglas de formación”, ya se han tomado; es una especie de escenario pre-existente que respetamos y en el que intentamos hacer encajar todo. Creo que la arquitectura es mucho menos de lo que era antes (‘el juego de los volúmenes y los espacios’); el espacio se convierte en un parámetro de lo que la arquitectura es hoy. Para Zevi es mucho más. Para introducir en las imágenes de la arquitectura toda nuestra cultura no es suficiente leer libros de arquitectura; se necesita también captar cierto número de actitudes y de sensaciones, de emociones que pertenecen a nuestro mundo vivo. Tal vez no sea extraño el hecho de que cuando termino de trabajar a las 2 o 3 de la madrugada, pase unas horas en una boîte antes de volver a casa…

Doriana Mandrelli . Una estrella de la excentricidad, conversación con Jean Nouvel.[fragmento]
A&V nº31 (1991) dedicado a la obra de Nouvel entre 1981 y 1991, pág 3
Fotografía de la Fundación Cartier de París tomada de la Web
Editado por el arquitecto Martín Lisnovsky

Entre los Maestros, Le Corbusier


El afecto fue el tema clave de la encuesta número 7; apuntaba entonces a relacionar comparativamente cómo las palabras y las obras habían conformado una relación humana entre nosotros y aquellos personajes de la historia de la arquitectura. Mas allá de las posiciones, creo éstas son un reflejo de algunos proyectos y sueños nuestros que vemos construídos en los logros de cada uno de ellos. Una simpatía que se transforma en un incentivo y una guía.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

jueves 11 de octubre de 2007

Modern Architecture:International Style, 1932. Libro y Exposición


Existen algunos momentos importantes, donde las múltiples y multidireccionables capas de lectura de la historia parecen convergir en un mismo nodo. Esta particularidad la podríamos referir a la obra de un arquitecto, a un edificio puntual o, en este caso, a la publicación y posterior exposición de cierta arquitectura desarrollada en la década del 20 en Europa por parte del MoMA de Nueva York. Ocasión muy especial donde la prioridad hacia la función, la racionalidad y la analogía maquinista se percibió secundaria frente al impacto del carácter logrado. Y no solo eso, el compromiso socialista de muchos de ellos comenzó a desdibujarse -conciente o inconcientemente- al ubicarlos como personalidades-estrella, hecho que les permitió tener las puertas abiertas en las universidades norteamericanas cuando comenzaron las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial. Dentro de la bibliografía accesible, seleccioné el breve pero muy claro relato del libro Teoría de la Arquitectura, libro recomendable 100% ya que nos ubica muy rapidamente en los principales escritos teóricos de la historia desde el renacimiento, con mucho material gráfico pero, es justo decirlo, con casi ningún texto original, ya que la presentación de cada caso es desarrollada con una breve reseña. Imperdible de todos modos y muy necesario para desorientados, espero lo disfruten.

The International Style: Architecture Since 1922, Nueva York 1932
Henry-Russell Hitchcock (1903-1987)
Philip Johnson (1906-2005)
Este libro, el manifiesto arquitectónico norteamericano más importante anterior a Complejidad y Contradicción en Arquitectura, 1926, de Robert Venturi, surgió en el contexto de una exposición organizada por el Museum of Modern Art en 1932, la primera exposición sobre arquitectura que se desarrollaba en ese Museo de Nueva York, inaugurado dos años antes. Philip Johnson, primer comisario de la sección de arquitectura del museo hasta 1934, el historiador Henry-Russell Hitchcock y Alfred H. Barr, director del museo, desarrollaron la idea en otoño de 1930. La preparación corrió a cargo sobre todo de Johnson, a quien años antes Hitchcock había llamado la atención sobre la arquitectura moderna, durante sus viajes por Europa, en una visita a la Exposición Alemana de Arquitectura (1931) en Berlín y durante sus conversaciones con arquitectos como Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Jacobus Johannes Pieter Oud y Le Corbusier. La exposición, titulada: “Modern Architecture: Internacional Exhibition”, fue inaugurada el 10 de febrero de 1932. Su objeto eran las obras construidas, entre otros, por Mies van der Rohe, Walter Gropius, Hans Scharoun, Otto Haesler, Le Corbusier y Alvar Aalto, así como por otros arquitectos procedentes de Austria, Bélgica, Alemania, Inglaterra, Francia, Holanda, Italia, Japón, España, Suecia, Suiza y la Unión Soviética, pero también por norteamericanos como Raymond Hood, Frank Lloyd Wright, Howe & Lescaze y Richard Neutra. Solo se presentaron obras realmente construidas, ningún proyecto visionario, tampoco los de los constructivistas rusos. La exposición se centro en cuatro obras: villa Savoie de Le Corbusier (1930), Casa Tugendhat de Mies van der Rohe (1930), que Johnson consideraba la obra más importante de la arquitectura moderna, la “Casa de la Mesa” de Frank lloyd Wright en Denver (1931) y la casa del holandés Peter Oud acababa de construir para la madre de Johnson en Pinehurst. Además había una sección sobre construcción de viviendas de la que se ocupó el crítico Lewis Mumford. La exposición fue reconstruida en 1992 por Terence Riley en la Universidad de Columbia.
El libro “The International Style: Architecture Since 1922” fue escrito durante los preparativos de la exposición. Contiene 138 ilustraciones, vistas fotográficas de exteriores e interiores, así como plantas por orden alfabético de los arquitectos, para evitar cualquier diferenciación nacional. El texto, relativamente breve, acompañado de una introducción de Alfred Barr, procede de la pluma de Hitchcock; Johnson sólo lo corrigió. El texto no solo trata las diferentes obras, sino que intenta deducir una definición de estilo de las propiedades comunes de la nueva arquitectura, siguiendo el análisis de formas propio de la historia del arte. La idea fundamental es la siguiente: las nuevas obras que aquí se exponen representan el estilo arquitectónico vigente en el presente, y este estilo es universal y único, como sucedía con los estilos en las diferentes épocas de la historia del arte, como el gótico o el barroco. Hitchcock diferencia este nuevo estilo no solo del historicismo del siglo XIX, ya superado, sino también de la nueva arquitectura anterior a la Primera Guerra Mundial, como la de Peter Behrens, Otto Wagner, Auguste Perret y también Frank Lloyd Wright, que denomina “semi-moderna”. Para él, los pioneros y primeras filas de este estilo eran Walter Gropius, J.J.P.Oud, Le Corbusier y Mies van der Rohe, así como –en un segundo plano- Gerrit Rietveld y Erich Mendelsohn. Hitchcock rechaza de plano la tesis funcionalista de muchos arquitectos para quienes el elemento estético no tiene importancia en la arquitectura de la era industrial, pues la forma surge por sí misma de la lógica del cumplimiento de una función y de la adecuación a la técnica; opone a esta tesis la diferencia esencial entre arquitectura y construcción y subraya el carácter artístico, también de la arquitectura moderna. Hitchcock define como propiedades constitutivas de la estética del nuevo estilo tres principios fundamentales: en primer lugar, la arquitectura ya no se considera como masa, sino como volumen. En lugar de un muro macizo de mampostería, el espacio se compone de superficies y planos; en la claridad geométrica de sus superficies lisas, el volumen parece inmaterial e ingrávido. El segundo principio es la regularidad, que sustituye a la geometría axial; ahora bien, no se trata de la monotonía de una regularidad absoluta, sino de la composición rítmica de formas regulares. El tercer principio es la renuncia a toda decoración; su lugar lo ocupan la elegancia del material, la perfección técnica de los detalles y las proporciones adecuadas como cualidades estéticas. Estos tres principios definen una estética de la forma matemática abstracta que se corresponde con la pintura abstracta. Hitchcock explica la aplicación de estos principios con ejemplos tomados de las ilustraciones del libro y proporciona recetas a los arquitectos para evitar errores. En el prólogo de una reedición de 1965, Hitchcock expuso que, cuando se publicó, lo más llamativo de su libro no era tanto lo que en él se decía como el momento es el que se hacían esas afirmaciones. Cuando salió a la luz en 1932, era la primera vez que se trataba la arquitectura moderna aplicando el método de análisis de formas y el concepto científico de estilo propio de la historia del arte. El objetivo era mostrar a los arquitectos norteamericanos que existía un estilo contemporáneo de validez universal, aunque en Estados Unidos no se hubiera dado aún a conocer. El concepto de “Estilo Internacional” propugnado por Hitchcock y Johnson se inspira en la obra de Walter Gropius “Internationale Architektur” (“Arquitectura Internacional”, libros de la Bauhaus I, 1925) y en el concepto de “estilo internacional hacia 1400”. Objeto de crítica fue que el libro sigue casi exclusivamente un punto de vista estético, mientras que el aspecto social de la nueva arquitectura, que Lewis Mumford había subrayado en el catálogo de la exposición, solo se trata en un breve capítulo final, que lleva el título con la palabra alemana The Siedlung (la urbanización). En 1951, Henry-Russell Hitchcock relativizó bastantes de las tesis defendidas en su libro de 1932, en un artículo titulado “The Internacional Style Twenty Years After”, que se publicó en la Architectural Record. Ahora veía que el estilo internacional estaba llegando a su fin y pensaba que esa validez absoluta del carácter racionalista de la arquitectura, propugnada en aquel entonces, había resultado un error histórico, pues esa misma validez histórica la poseían otras corrientes existentes en los años veinte. Así lo subrayaba ahora, sobre todo frente a Frank Lloyd Wright, quien en 1932 había protestado contra la exposición, a la que acusó de propaganda, amenazando con retirarse. En su libro, Hitchcock ni siquiera mencionaba a Wright. La exposición de 1932, que, después del Museum of Modern Art, se expuso en otras 13 ciudades de Estados Unidos, y el libro despertaron un gran eco. Prepararon el camino para la llamada de Gropius a la Universidad de Harvard (1937) y la de Mies van der Rohe a la de Chicago (1938) y, en general, para el cambio de dirección en la arquitectura norteamericana después de la Segunda Guerra Mundial.
Teoría de la Arquitectura, del renacimiento a la actualidad. Koln, 2006, Editorial Taschen
La primer imagen de la exposición de 1932, del sector dedicado a Le Corbusier, fue tomado de la web y podría tener derecho. La segunda, correspondiente al edificio de Mendelsohn, es parte del libro de referencia y del libro original.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

miércoles 10 de octubre de 2007

Croquis Maestros: Bellucci nos presenta a Zemborain y a Minond



En la primera oportunidad en que los croquis de viaje del arq. Alberto Bellucci supieron ver la luz de las librerías fue con la edición de la serie Ediciones Previas, de la editorial Eudeba de "Los Croquis de Viaje en la Formación del Arquitecto y Diseñador", en marzo del 1988. Allí no solamente uno puede disfrutar de la particular y elástica relación entre la mente y la mano de Alberto sino también entre éstas y su corazón; una breve selección de croquis de personajes de la historia a los que se suman contemporáneos como Edgardo Minond y su amigo Eduardo Zemborain, destinatario de la dedicación del libro.
A
quellos trazos simples y definidos que se imponen al blanco nos enseñan la percepción y posterior comprensión de las proporciones manchadas de resplandores de luz y de sombras cuyas líneas esbozadas nos invitan a soñar con estar allí. Siempre vi los croquis como una radiografía espacial y urbana, realizada y destinada a los ojos de los arquitectos. Disfruten entonces de la primera breve selección que hacemos de los invitados de lujo de nuestro gran maestro AB.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

martes 9 de octubre de 2007

Apuntes sobre el Modernismo Catalán



Estela de la charla en el Centro Cultural Borges de la ciudad de Buenos Aires, postergada sin fecha, es este escrito que el arq. Juan Diego Martínez, bastión del cuerpo docente del curso de Historia 3 en la cátedra Brandariz, ha elaborado para la presentación de la obra de Domenech i Montaner en su contexto. Esperamos nuestros amigos catalanes consideren estas palabras ajustadas a la visión interna de su propia historia.

"Usualmente se confunde al modernismo con la versión catalana del Art Nouveau. Esta afirmación parte del desconocimiento general de la historia de Cataluña. Tras la guerra de sucesión española (1702-1714) y la posterior restauración Borbónica (1875), la región que alguna vez supo ser una rica nación medieval, vislumbró la posibilidad de recuperar cierta autonomía frente a la decadencia de la corona castellana. El comercio marítimo, el crecimiento demográfico por años estancado, y la creciente industrialización de la región, fueron los orígenes de una nueva sociedad burguesa que necesitaba para si una nueva imagen. Desde todos los aspectos de la cultura se reivindicó el “ser nacional”, y esto hace al modernismo diferente, de por ejemplo, los Arts and Crafts. Mientras el movimiento inglés atacaba la base social de la industrialización en su cruzada por recuperar el trabajo del artesanado; en Cataluña, la recuperación del artesanado local y su incorporación en la industria pasaba a ser necesario para encontrar una imagen moderna y nacional. En esta búsqueda existirán posiciones contradictorias, pero todas unidas en el mismo espíritu de recuperación. Esta característica le otorga al modernismo una complejidad estilística e ideológica en la que conviven personajes tan diferentes como Doménech y Gaudí. Doménech se recibe de arquitecto en 1873 en una generación entre los que se destaca Joseph Vilaseca. Aún el término “modernismo” no se utiliza para referirse a la arquitectura, sino que hace referencia al espíritu progresista y de renovación de las artes y la literatura catalana. Junto a Vilaseca comenzará la búsqueda de una arquitectura despegada del repertorio formal clásico, para indagar en las tradiciones constructivas locales y en la coherencia entre forma construida y estructura, tal como Viollet le duc afirmaba. Esto se hace realidad en su primer concurso, el de las Instituciones provinciales de instrucción pública. El proyecto ganador representa una ruptura con los estilos históricos y una cierta integración a las corrientes modernas europeas. El hecho más significativo es la utilización de elementos de la ingeniería, relegados hasta el momento, buscando darles expresión arquitectónica, y la búsqueda de explicarlo todo racionalmente, rompiendo cualquier concesión con los estilos arquitectónicos clásicos. Doménech se incorpora en 1875 como profesor a la Escuela de Arquitectura de Barcelona, desde allí su director, Ellies Rogent, resucitó todo el patrimonio medieval catalán. Rogent era un ferviente neomedievalista y opositor del clasicismo, impuso como texto de la escuela obligatorio el “Dictionnaire” de Viollet le Duc. Posteriormente, en 1878, Ll. Doménech i Montaner publica en “La Renaixença” el artículo “Hacia una arquitectura nacional“ síntesis de su posición teórica y de su búsqueda arquitectónica. En él se pregunta como puede arribarse a una arquitectura “…moderna y nacional” según sus propias palabras, sin caer en estereotipos clásicos y poco adecuados a un mundo industrial. Doménech ve críticamente que en este nuevo mundo globalizado a través del conocimiento y el comercio, las diferencias regionales sean cada vez más sutiles. Este pensamiento no indica que su postura sea de indiferencia al resto de Europa, muy por el contrario, la arquitectura catalana busca no solo despegarse de lo clásico sino de toda influencia de las escuelas castellanas, para dar paso a un ideal internacional de “…honestidad constructiva y voluntad racionalista.” donde cada región aporte el valor de adaptación humana y geográfica. En ocasión de la exposición Universal de 1888, Doménech tendrá dos encargos importantes, el Hotel Internacional, donde se puede ver lo que la racionalización y la técnica puede hacer en cuanto a tiempos de ejecución (fue levantado en 63 días). Y el Café-Restaurant, en este edificio toda la estructura es de ladrillo y hierro y son solo estos elementos los que componen las fachadas. Los muros son tratados como planos, prefigurando las búsquedas estilísticas de De Stijl, y el conjunto es gral, anticipa en 15 años lo logrado por Berlage en Amsterdam. Podemos tranquilamente ver la descripción que hace Bruno Zevi de la Bolsa de Ámsterdam para ver cuanto se ajusta esta descripción al edificio del Café Restaurant: “...además de la esterilización decorativa y de la severa utilización del ladrillo, que antes corresponden a la sinceridad del lenguaje arquitectónico que a la historia del arte (…) encontramos en él arcos, pilastras y capiteles, todos los elementos tradicionales, pero con un vuelo y relieve limitados, casi guillotinados a ras de las paredes.” Similar importancia tiene la sede del Orfeó Català, El Palau de la Música (1905-1908). Esta obra, una de las más significativas del artista, puede verse como la síntesis de los postulados Domenechianos. La racionalidad de la estructura metálica, la consecuente transparencia y fluidez espacial lograda a través del uso del vidrio y la compleja estética lograda gracias al aporte de los diversos artesanos y artistas, hacen de esta obra, un conjunto muy logrado de lo que podía hacerse en Cataluña, si se sumaban en una causa nacional, a todos los actores de la cultura y la sociedad catalana. Este momento es el punto álgido del estilo floral de Doménech. Debemos entender este proceso de estilización como una búsqueda de síntesis y reelaboración de los elementos heredados del clasicismo. Estos ejercicios irán dejando paso a una geometrización ornamental más lineal que volumétrica y muy similar al que alcanzará la Secesión Vienesa. (casa Fuster de 1908). Es evidente que lo ocurrido en Cataluña, es un eco de lo que se viene gestando a partir de la gran exposición de 1851 en Londres, donde se pudo ver la pobreza de los productos de la industria, como consecuencia del alejamiento de los artistas del proceso de producción. La diferencia radica en que el movimiento de Arts and crafts, ataca las consecuencias sociales y de diseño del tema, mientras que en Cataluña es un problema de identidad cultural y política, el encontrar una estética acorde. Problema que puede resolverse mediante la articulación de las artes y la industria. En esto, Doménech fue un verdadero catalizador de intenciones, hizo mucho por transformar a los viejos artesanos en diseñadores industriales, montando su taller en el edificio del ex Café-Restaurant de la exposición. Allí se aglutinaron distintos artesanos locales, de cerámica, fundición, tallas, repujados, vitrales, etc., con la intención de recuperar los viejos oficios e incorporar los procesos de la industria a los mismos. El hecho de que la conciencia social de los Arts and crafts y el comienzo de las búsquedas estéticas del Art Nouveau, se dieran simultáneamente en Cataluña, liberó a los artesanos de una excesiva nostalgia por el pasado, permitiéndoles incorporarse fácilmente la revolución industrial. De la dupla Doménech - Gaudí podemos decir que es Gaudí a quien se han dedicado más páginas en la historia, debido quizás a su fuerte personalidad y la gran cantidad de seguidores que tuvo en vida. Muchos autores lo ven como un genio aislado e independiente. Por su parte Doménech supo ser un precursor a su tiempo, quizás por estar en esa incómoda posición entre un tiempo anterior y uno nuevo, no ha sido estudiado en la profundidad que merece. A Doménech se lo desvaloró por mucho tiempo por la epidermis de su obra, y no se le dio importancia al concepto arquitectónico fundamental que estaba por detrás, concepto que sería ya en el siglo 20, el puntapié inicial del movimiento moderno. A Gaudí se lo interpretó muchas veces en la historia como un eximio constructor-racionalista, con una imaginación sin igual. Lo cierto es que en Gaudí, las preocupaciones técnicas no eran un tema en si, si no una herramienta más de expresión formal. Sin embargo ambos poseen cosas en común, uno y otro buscan eliminar los espacios estancos difuminando los límites, esto los hace precursores de los modernos. Podemos verlo en la transparencia del Palau de la Música y en la sucesión de espacios de diferentes calidades de la casa Batlló, ambas de 1905. Gaudí clausuró una época, la de la construcción maciza, pétrea, cuando en el mundo ya se perfilaban las nuevas de las estructuras metálicas. En cierto sentido se anticipó a un material pétreo de extraordinarias posibilidades plásticas como el hormigón armado. A Gaudí no le preocupaba la racionalidad ni las posibilidades formal-espaciales de las nuevas técnicas como si le importaban a Doménech i Montaner. Él buscaba otras cosas, y por eso lo recordamos tanto. Cuando recibe el encargo de la Sagrada Familia, Gaudí se entrega a su gran obra de por vida, ahí podrá experimentar las posibilidades formales extremas de la piedra, y el concepto espacio-estructura, que viene probando ya en la capilla de la Colonia Güell en Sta. Coloma. Para 1926, año en que muere, el movimiento moderno ya esta bien avanzado, Le Corbusier y el pabellón del Espirit Nouveau, Gropius, Meyer y la fabrica Fagus y Oud haciendo las primeras casas racionales y populares en Rótterdam. ¿Que se puede decir de estos dos maestros que no este dicho entonces?, quizás se pueda decir mas de Gaudi por lo antes expuesto, pero lo real es que ambos son piezas fundamentales para entender las dos líneas de pensamiento arquitectónico que van a aparecer durante la primera mitad del siglo 20. La editorial Montaner i Simon (1881-85) y la casa Vicens (1878-80) de Antoní Gaudí, marcan dos líneas bien diferentes en la evolución."
“…dentro de la común raíz historicista, la obra Gaudíana lleva en germen una línea expresionista, mientras que la Domenechiana inicia el camino al racionalismo.”

Arq. Juan Diego Martínez
Historia 3, Cátedra Brandariz, FADU, UBA
Prof. Adjunto arq. Martín Lisnovsky
Las imágenes fueron tomadas de la Web y podrían tener derechos

lunes 8 de octubre de 2007

SC 24: Dr Jekyll & Mr Hyde en Arquitectura. Gerrit Rietveld y Alvar Aalto


1- Casa Shroeder en Utrecht, Gerrit Rietveld, 1924
2- Ayuntamiento Saynatsalo, Aalvar Alto, 1952
Segunda parejita del día, destinada a dos ejemplos que piensan la arquitectura a partir de diferentes prioridades: la abstracción geométrica y la naturaleza folk. De todas maneras en algún punto se tienen que cruzar, ya sea en la elaboración del partido en el tablero para Saynatsalo o en el proceso constructivo de la obra, en la Shroeder. A fin y al cabo, están haciendo arquitectura.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Sin Comentarios 23: El detalle y el sistema, en Labrouste y Foster


No me he podido desvincular de las imágenes del último trivia. Son tan fuertes que me convencieron firmemente para que las convocara en la edición doble del 'sin comentarios' de los lunes, que al parecer les da un poco más de prestigio. Postergamos una semana las sorpresas preparadas para hoy y les cedemos el espacio a estas bellas damas. La primera corresponde a la Biblioteca de la Santa Genoveva en París, construída por Henri Labrouste en 1943-45 (si, si, figurita repetida por estos días) y el Sainsbury Centre of Visual Arts, dentro de la Universidad de East Anglia en Norwich, proyectado por nuestro amigo monocromático Lord Norman Foster en 1974 y edificado entre 1976 y 1977.(si, si, otra vez NF) Más tarde los segundos tortolitos.
Link: http://scva.org.uk/
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

domingo 7 de octubre de 2007

Unas breves palabras sobre el Manierismo


Volvemos al desorden y a las sorpresas que mis viejas carpetas de ayudante deparan. Hoy, sin poder precisar referencia bibliográfica alguna, de mi puño y letra y con rápidos trazos de lapiz 2B, he hallado unas pocas pero interesantes palabras sobre el manierismo. Les pido perdón por no aclarar su origen pero creo este texto necesita tomar un poco de aire y que mejor que traerlo a pasear por el blog.

Alienación, Manierismo y arquitectura, Philip Drew

Manierismo italiano 1520-1590
El origen del uso del concepto de estilo llamado Manierismo se explica por el desarrollo de la historia del arte. En 1900, cuando Wolfflin hizo la distinción entre el Renacimiento y el Barroco, que sabiamente limitó al siglo XVII, esto dejó una fase hacia la mitad del siglo XVI que no podía clasificarse como una extensión del Renacimiento, ni simplemente como el comienzo del Barroco. El término Manierismo, que por largo tiempo había sido empleado para designar ciertas escuelas de pintura y escultura en Italia, fue adoptado entre 1920 y 1925 para cubrir el período entre el Renacimiento y el Barroco. El origen del término puede rastrearse hasta Vasari, que utilizó la expresión di maniera para distinguir entre una clase de pintores del siglo XV y comienzos del siglo XVI que pintaban a partir de la naturaleza –di natura- y otra clase de pintores de fines del siglo XVI que pintaban según la manera, por lo que quería significar que estos habían desarrollado una fórmula o manierismo que podían repetir sin referencia a la naturaleza.
La arquitectura manierista se distingue por sus violaciones de las reglas que gobiernan el uso aceptado de los órdenes clásicos, y una disposición irracional e imprevisible del espacio, combinaciones de características y tratamiento de superficies. A menudo está acompañada de una rica ornamentación y un elaborado ilusionismo. En la arquitectura manierista subyace una visión perturbada de la realidad, donde el mundo unificado y absoluto del Renacimiento ha sido destrozado y remplazado por otro, problemático y dividido. El Manierismo es, por encima de todo, una arquitectura saturada de contradicciones, que hiere la vista en lugar de serenarla.

Imagen de la Villa Capra de Palladio tomada de la web, podría tener derechos
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

sábado 6 de octubre de 2007

Trivia 18: Fragmentos y Recortes 2 (el regreso)













SuperTrivia para un fin de semana de lluvia. Facilísimo, estos edificios los han visto y seguramente analizado en diversas clases y revistas. Todas obras distinguidas de arquitectos distinguidos, dejamos unos breves referentes para empujar un poquito esa respuesta que tienen allí, en la punta de la lengua:
1- 8 obras que barren el siglo XX, las pueden visitar en la India, España, Norteamérica (2), Reino Unido, Francia, Finlandia y Holanda.
2- Hemos hablado ya de casi todas en el blog. Menos de la perteneciente a un dúo suizo. Una obra tuvo un artículo hace días y todos los arquitectos fueron nombrados recientemente.
3- Programas varios: vivienda, ayuntamiento, biblioteca, edificio institucional, instituto de estudio biológicos, centro de congresos, centro de artes visuales y una sinagoga.
4- ¿Necesitan más? ¿No las pescaron? Bueno, ningún arquitecto acompañó en su última gira a la Tucu-Tucu ni se ha subido al tren de las nubes salteño luego de comer un rico locro, por suerte; pero les aseguro que, como lo más probable es que la mayoría nunca disfrutó la música de Buenos Aires, les entusiasmaría escuchar unos buenos tanguitos cantados por Goyeneche. El arq. Bellucci debe haber introducido en el tema a alguno de ellos, seguramente hace casi una década, cuando lo acompañó en un magnífico paseo por la ciudad de Buenos Aires.

Las imágenes fueron tomadas de la Web y podrían tener derechos
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

jueves 4 de octubre de 2007

Rogelio Salmona Inmortal. Un pequeño adiós.

El mundo camina gracias a los que construyen. Sueños, ideas, relaciones, obras. Los que construyen. Algunos logran en su quehacer, además, el reflejo del equilibrio entre los vientos huracanados de las vanguardias -que todo lo lleva, y lo trae- y la tradición folclórica de una región. Otros, encendidos por algún fuego, iluminan ese equilibrio alcanzando caminos de enseñanzas para nuevas generaciones encerradas en oscuros laberintos, donde el respeto hacia la identidad de un pueblo no implica desestimar y darle la espalda al futuro.
La disposición de los ladrillos de Salmona pertenece a la raíz de la cultura colombiana. Como observaba Giedion entre Finlandia y Alvar Aalto, Colombia acompaña a Salmona en cada Edificio. El llevó a Colombia nuevas ideas del viejo mundo y mostró al viejo mundo una Colombia con nuevas ideas, erguida y respetuosa de su propia humanidad. Rogelio Salmona fue un hito para nuestra profesión.
Los que transforman logros personales en los más altos valores culturales de un pueblo merecen la inmortalidad. Rogelio Salmona se la ha ganado.


La imagen fue tomada de Flickr; ver autor en el archivo.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Derrick de Kerckhove y el Futuro de las Comunicaciones


Hace casi diez años la revista Domus realizó un número especial implicando a varias personalidades destacadas de la cultura internacional en su mirada hacia el futuro a mediano plazo, fijando como punto focal el 2028.
Derrick de Kerckhove, discípulo de Marshall McLuhan y una autoridad indiscutible en relaciones y comunicaciones con las nuevas tecnologías, escribió este artículo, no muy breve, que ha sido un referente en el tema para mí todos estos años. Si bien el tiempo pasado confirma y/o desestima algunas ideas vertidas, vale la pena acomodarse en una poltrona con un cafecito y repasar las relaciones implícitas entre los sueños del Presente y la ubicación volátil del Futuro. Imperdible.

From the other side of the telescope: communication 1998-2028
Our consideration of the future should be divided into two spheres. The linear forecasts (a past-present-future pattern) tell us what science and technology have in store for us; whereas radial growth is the result of a multiplication of activities at all levels of interconnection, so it is hard to predict its impact.

Let us imagine that we are in May 1968, trying to predict the next thirty years. It was already quite predictable that humans would soon land on the moon (1969) but nothing, even the day before, November 9, 1989, would have allowed anyone to predict the fall of the Berlin wall and subsequent disintegration of the Soviet Empire. This is not a matter of time stretch (18 months versus 21 years ahead) but of radically different patterns of evolution. The landing on the moon was the result of a linear development of technology and investment, while the fall of the wall was an effect of a radial explosion of self-organizing processes which, following patterns described in catastrophe and chaos theory, emerge something completely unexpected. We will return to radial growth later.
1. Linear development
Linear predictions are easy. They follow a pattern of past-present-future developments and they are the bread and butter of self-appointed futurists. Limiting myself to the topics of communications, I can play that game in an almost failsafe manner by selecting five dominant features of communications and information technologies today, yesterday and tomorrow: Connectivity; Wireless and Mobility; Physical and mental Interfaces; Virtualized objects, environments and processes; Satellite Scale. Connectivity (Past: the telegraph – Present: fiber optics – Future: embedded Internet) The garden variety futurist could be forgiven to take connectivity for granted now that wires multiply their average capacity very two years and that bandwidth already in place today allows us to think in terms of several gigabauds per second. The processing speed of our computers is keeping the pace dictated by Moore’s law which states that processing speed and power doubles every 18 months while price falls by half during the same time. The “embedded Internet” may be the next step if we can trust the trend that pushes technological developments to connect all our machines and soon our bodies to the Internet via tiny bursts of data emitted by microscopic radio transmitters. A rather ominous future of connectivity combining wirelessness with a kid of embedded Internet is foreshadowed by a recent Us military innovation which is to invite privates to swallow a set of tiny bio sensors and radio transmitters to connect on the Net so that the chief commander can really know how his soldiers feel.
Wirelessness (Past: radio – Present: mobile telephony – Future: hand held full service communication appliances)
On the other hand, let us not fret too much. It is useful to keep in mind that only 50% of the world population has access to a telephone and 6% only own or have access to a computer. All predictions are pretty heady under such conditions. Wirelessness is supposed to bring a rapid remedy to this unequal condition. Remote Indian villages or even 7000 islands of the Philippines are henceforth accessible to the Internet and viceversa by mobile telephony. It is quite obvious that the industry is pushing hard to grid the planet with low Earth orbiting satellites while Nokia is also developing wireless two-way video delivery. We may not have to wait thirty years to get full telepresent access to our favourite graphic virtual reality community on line somewhere in the boondocks.
Interfaces (Past: pen and paper – Present: voice operated control – Future: mind machine direct- connect)
Interfaces are going subliminal. Today’s trend in voice-operated control and the predictable improvements made in handwriting recognition, are leading to yet another level of subtlety and flexibility, the mind operated machine. We can already see artists and military aviation engineers competing to be the first to create an effective mind-machine-direct connect system. One foreboding example in German artist Ulrike Gabriel’s mind activated robot in Terrain 0/1: after donning a headband with sensors, you can monitor the pattern of your thoughts and train them to increase the intensity of light coming from a lightwell above an arena with motorized robots. The robots get their energy from that light thanks to photoreceptors on their backs. Thus you can command the movement of these robots by thought alone. The United States Air Force is now conducting research along the same lines to allow pilots to trigger urgent commands mentally while their hands are busy otherwise in a
fighter plane. Another aspect of interfaces is that not all need to lead to consciously controlled operations. Many new interfaces pick up heat or electrical fields from the body and thus allow sensors to receive information from our bodies and relay them to automated controls which serve as parasympathetic nervous systems, out of reach of our conscious decision-making processes, very much like our bodied are functioning with both a conscious and an unconscious nervous systems. Are we to connect with our environment as intimately as we connect to our bodies?
Virtualization (Past: holography – Present: Virtual Reality, Artificial Life, Digital Agents – Future: Telepolis)
It has become banal to talk about virtualization as a trend. However it is definitely one of the main pieces of our collective puzzle in that it provides or at least promises the kind of flexibility of imagination we can entertain in our minds, but in this case outside our private minds and open to the minds of many other participants. VR’s true destiny is to augment rather than replace reality, hence AR (Augmented Reality) is an emergent property, like an idea in your mind. The difference, of course, being that an idea in your mind may or may not stay there and be back, while an a VR or an AR on the Internet is durable.
You, and everybody else for the matter, can go back to it anytime. It is the rise of Virtual Estate. Before thirty years are up, millions of people will make a living and live that living in virtual environments which may still bear the name of ‘cities’ for nostalgia’s sake, much as today, we talk about “information highways”.
One of the fears attending any discussion about virtuality is that it will rid us of both our bodies and our real world. Far from it, it will make more precious than ever that which is ‘real’ and bears witness to origin. The law of “minimal materiality” which posits that any virtual transaction be supported by a material substrate is not yet written, but it will become evident. Like the gold in the bank supports value, the material supports the virtual.
The difference here is that the virtual allows the maximum flexibility of movement and control of the real. When stock exchanges play with values, astronomical sums of money shift from one part of the world to another, but cash, the real thing, doesn’t have to move at all. The virtual is the laboratory for the planet imagination.
Satellite Scale (Past: Sputnik – Present: geographical information systems – Future: pulse of the Earth on TV)
Popular media and blockbuster movies like Startrek’s Borgs, The Lost World, Contact, Volcano and others are exploring the frayed edges of present and past realities, as if to exorcise them. These movies also express huge releases of aggressivity as if to shake off the fears that our own technological acceleration is imposing on us. Most of these mythological products tend to involve the destiny of the whole planet. The vision of humanity is always a planetary vision. Indeed, the difference between the Renaissance and today is an issue of scale. While the Earth is being discovered and circumnavigated in that period, the size of man was the “measure of all things”. Today, seen from the satellite, the Earth itself has become the standard, the measure. The fact is brought to us by satellite not only in terms of what we see, but also in terms of what we feel. Satellites provide the planet with a sensitive data reception system akin to the human skin. The effects of being in touch with everywhere at once is to give us a new sense and a new scope of responsibility. Tomorrow, we will be able to know instantly where the world is hurting.
2. Radial Growth
Radial growth is the result of the multiplication of activities at all levels by interconnection. For example, it is easy to identify quantum leaps in levels of interconnections from the city-to-city telegraph to the present hypertextual totally internet worked World Wide Web. Such interconnection phases generates emergent properties which appear as full-scale economies. On one hand, it is quite difficult to predict the impact of radial growth for the next minute, let alone thirty years ahead. Mainstream technologies seem to undergo and in turn provoke radical change every three to five years with consequences quite unpredictable. For example, five years ago, no one was speaking about the Internet, let alone the web which was born in 1992. At the rate the web is growing today, thirty years is roughly equivalent to the evolution of six human generations under severe adaptive challenges. On the other hand, it is becoming rather coy to go on pretending that we cannot predict the future when so much of it is in our collective hands. It helps to identify patterns of selforganisation. Radial effect of communication technology The radial effect of connectivity is making the whole humanity and Planet a single, unified and biotechnologically interlinked system of communication (Humpty Dumpty together again).
Should we start developing new varieties of access barriers or interactive-free architecture and design? The radial effect of wirelessness is the return of the electronic (technological) nervous system into the personal body. The mobile telephone is a prosthesis. It can even convey vibrations instead of ringing. Why not develop a tactile variable personal mobile? We may soon be able to broadcast intimate caresses wirelessly.
The radial effect of satellite is the extension of selfperception of the Earth for the expansion of self to Earth scale for the reduction of the Earth to human scale. The Earth is, more than ever, part of my body.
The Radial effect of interface is an environment so closely connected to our bodies and minds than we might as well wear it. We can develop “personsensitive” gardens and rooms. The radial effect of virtualization is already happening and will only continue to do so for the next thirty years, that is the increasing rebalancing of substance and value from the material to the virtual. While responding to as yet unknown laws, the virtual will acquire as much substance, if not weight, as we still credit the material with. Designers, get down to work!
In that virtual and fluid environment, ruled by a mix of local habits and international dialogue, there is little that comes under unifies body of controls. International standards apply only to specific technologies and not always very well at that. The other reason why self-organisation is the way of the day is that no one has a sufficiently good idea of what is going on to really impose an order. Everything is in flux so things must find their own course following pressures of the moment. Chances are however that before the next years are up, there will develop a new morality, just as the post humanism era developed renaissance.
For example, a possible moral effect of radial growth is today’s decision to ban landmines all over the world. This could be an unconscious effect of satellite psychology, an emergent form of sensibility. Indeed, ecology and the growing feeling that the planet needs a facelift are part of a trend to encompass the whole planet at once in one’s mind. Similarly, it could be that more and more people East and West are recovering one of humanity’s oldest feelings that the living organism, an extension of our bodies, and something that landmines are polluting as clearly as tobacco is now felt to be polluting seriously our flesh. The ban on mines is, in that sense, an outcome of emergent connective feeling, just like, a century ago, the ban on slavery arose from the increase of communications via telegraphy.
Hegemony for all Considering that no one holds a monopoly on what is desirable for everybody else’s future, one direction that we might inflect in our creative disciplines is to allow self-organising principles to obtain among different levels of society, different levels of expertise and different levels of power to collaborate on desirable strategies for all.
Artículo extraído de la revista Domus, enero 1998
Mas información sobre el autor y su obra en: http://www.mcluhan.utoronto.ca/
La imagen fue tomada de la web y podría tener derechos

Editado por el arq. Martín Lisnovsky

miércoles 3 de octubre de 2007

Bibliothèque de Sainte-Geneviève, un Labrouste para armar







Como complemento al artículo de la sección "sin comentarios" nº13, del 21 de agosto, donde relacionábamos la documentación del Crystal palace de Paxton con el manual gráfico de los huevos Kinder, incorporamos parte de los dibujos realizados por el equipo del gran maestro Henri Labrouste para el proyecto y construcción de una de sus obras principales: la Bibliothèque de Sainte-Geneviève en el corazón de Paris. Podríamos extendernos mucho en enumerar sus cualidades pero hoy nos concentraremos principalmente en parte de la documentación referida a los detalles de la piezas de hierro. Les dejamos unas breves palabras de dos de los libros más leídos como introducción a cualquier curso dedicado a la arquitectura contemporánea.

“La mayor figura del racionalismo neoclásico es Henri Labrouste; alumno de la Academia y Grand Prix de Rome en 1824, reside durante cinco años en villa Medici, estudiando la arquitectura antigua; en 1830 vuelve a París y abre una escuela privada de arquitectura, enseñando una estricta adhesión a las exigencias constructivas y funcionales; en 1843 realiza el proyecto de la Bibliothèque de Sainte-Geneviève…”
Leonardo Benévolo, Historia de la Arquitectura Moderna
Barcelona, desde 1971, Gustavo Pili

“La línea principal del neoclasicismo de Blondel fue continuada a mediados del siglo XIX en la carrera de Henri Labrouste…dedicando gran parte de su tiempo en Italia al estudio de los templos griegos en Paestum..se contó entre los primeros en alegar que tales estructuras habían estado, en principio, vivamente coloreadas. Esto, y su insistencia en la primacía de la estructura y en la derivación de todo ornamento a partir de la construcción, le acarrearon un conflicto con las autoridades (de la Academia).
En 1840, Labrouste fue nombrado arquitecto de la Bibliothèque de Sainte-Geneviève de París, que había sido creada para albergar parte del fondo de libros incautado por el Estado Francés en 1789. El diseño de Labrouste consiste en un muro perimétrico de libros que encierra un espacio rectilíneo y soporta un techo de bóveda con estructura de hierro dividida en dos mitades y soportado además en el centro del espacio por una línea de columnas de hierro…racionalismo estructural..”
Kenneth Frampton, Historia crítica de la arquitectura moderna.
Barcelona, desde 1981, Gustavo Gili
Las imágenes fueron tomadas de diversos sitios en la web y podrían tener derechos.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

martes 2 de octubre de 2007

Breve esquema del siglo XX, arq. De la Torre parte 1


El arq. Norberto De la Torre es el profesor adjunto del curso de historia 1 de nuestra cátedra de historia y ha desarrollado una larga carrera docente ocupando cada uno de los cargos del escalafón. Durante una década se desempeñó como adjunto del curso de historia 3; es uno de los maestros que me ha enseñado a analizar la historia a través de sus múltiples capas de lectura. Una gran arquitecto, un gran profesor y un gran amigo.
Les dejo la primera parte del artículo publicado en junio en la revista Habitat, año 13 número 50, donde Beto introduce al análisis de la rehabilitación de la estación de BAYERISCHER en LEIPZIG, perteneciente a la línea Sajonia - Baviera, con un rápido esquema del último siglo.
"La rehabilitación en arquitectura y sitios como tema de análisis, requiere de una breve introducción acerca del pensamiento y la acción en el panorama de la producción en los últimos 100 años. En ese marco presento antecedentes que ayuden a clarificar los fundamentos empleados a los fines.
El esquema que precede esboza una síntesis de sucesos en el contexto de la segunda mitad del siglo 19 y comienzos del 20, “periodo fundacional de la arquitectura moderna”. Otro estadio es la transición entre la primera y segunda guerra mundial con “experiencias pioneras en arquitectura” y por ultimo la segunda posguerra con “arquitectura, ciudad y sitio” como acción programática.
Subrayo como referentes estos hechos que conmovieron al mundo en el siglo 20 como la primera guerra, que anuncia el final del siglo 19 y comienzos del 20 con el enfrentamiento entre la histórica caballería y el blindado de fabricación industrial; 25 años mas tarde la segunda guerra con enormes consecuencias y “destrucción masiva de grandes centros urbanos”.
Cito en el periodo fundacional de la arquitectura moderna “el pensamiento y la acción maquinista” que interpreta la producción industrializada bajo el concepto de prototipo y simultáneamente el pensamiento academicista que se expresa a través del modelo.
Estas dos grandes vertientes “el pensamiento y la acción maquinista” y “el pensamiento academicista” que confluyen en la transición secular (1880 – 1914), definen un nuevo y vasto panorama de actitudes y expresiones en las artes y las ciencias.
Se organiza la Escuela de Artes y Oficios con origen en Gran Bretaña a influencias del pensamiento y obra de John Ruskin y William Morris, que en su derrotero de mas de 30 años por la ética y estética en el diseño, finalmente acepta la maquina como medio eficaz en la producción de bienes y objetos con el infaltable soporte de una teoría propia.
Mas tarde el art nouveau o arte nuevo expresión artística - cultural de raíz academicista, integrada a la producción industrial en distintos y particulares contextos sociales de Europa como de América, será el agente que transfiere la herencia cultural del siglo 19 al 20.
Simultáneamente la revolución en la pintura desde el impresionismo hasta la abstracción, con inclusiones de nuevas técnicas, visiones del universo, investigaciones científicas y conductas sociales, será otro de los agentes de cambio hacia el nuevo siglo.
Posteriormente a la finalización de la primera guerra mundial, se crea en Alemania la escuela que consolida la arquitectura moderna: la Bauhaus (casa de construcción 1919). Es esta institución el crisol de los antecedentes inmediatos de referencia, donde se conjugan multiplicidad de ideas, acciones e individuos en pos de cambios y con una nueva cosmovisión del mundo. Las influencias en el campo filosófico y científico de Bergson, Freud, Einstein tendrán eco en Cezanne, Picasso, Apollinaire, Gropius, Eisenstein, Meyer, Le Corbusier, Aalto, Rietveld, Mondrian y tantos otros artistas, poetas, escritores y arquitectos, activos precursores del momento de cambio.
El periodo inmediato a la fundación del movimiento moderno es influenciado por las teorías de los CIAM (Congresos internacionales de la arquitectura moderna) que incluyen la transformación y categorización de funciones en la escala urbana: residencia, trabajo, esparcimiento, circulación y tradición, cuya proyección llega hasta la segunda posguerra.
Es precisamente durante el periodo de la segunda posguerra, donde las políticas y acciones de reconstrucción ponen en crisis la aplicación de las dogmáticas teorías del CIAM, cuyos resultados exponen serias fallas sobre los valores integrales de las estructuras sociales y urbanas heredadas.
Asimismo y a la luz de revisiones teóricas de algunos maestros hechas de modo pragmático sobre la arquitectura, el urbanismo y el concepto de tradición, juntamente a los nuevos grupos como team X, metabolistas, sistémicos, nórdicos, etc., se acentúan los valores de las arquitecturas “no oficiales”; “vernáculas”; “sin arquitectos”; “primitivas”, “regionales” etc.; reviéndose profundamente la comprensión de la ciudad, la arquitectura y la historia.
Así es como la arquitectura heredada y/o en proceso de obsolescencia comienza a despertar interés en las políticas de renovación por distintas valoraciones, como lo son: ambientales (obra – paisaje); trascendentes (historia, memoria colectiva, simbología, etc.) y/o turísticos - económicos (difusión, reutilización de espacios funcionales) entre otras.
Si bien desde el siglo 19 encontramos antecedentes en mantenimiento y restauración arquitectónica, como los trabajos de Viollet le Duc en edificios de estilo gótico, aplicando para el momento nuevos conceptos, materiales y técnicas producidos por la revolución industrial, es la segunda posguerra por sus consecuencias y necesidades, el escenario que posibilita la elaboración y aplicación de políticas, planes y modos sobre el mantenimiento y rehabilitación de objetos arquitectónicos y sitios urbanos.
Cito en este marco algunos ejemplos realizados en diversas escalas y contenidos: Reconstrucción del casco histórico, monumentos y edificios emblemáticos de Varsovia con la impronta de recuperación del ser nacional; Coliseo de Roma; Cabildo de Buenos Aires; Urbino – Italia; reciclaje y cambio de función de antiguos depósitos portuarios de Santa Catalina en Londres; Acrópolis de Atenas; etc.
Hoy, con mas de 50 años de experiencia y notables ejemplos realizados, con especializaciones en el campo profesional lideradas por importantes centros de estudios internacionales y la coordinación de políticas, programas, y normas sobre el tema, aseguramos con convicción que el mismo está instalado, no solamente en niveles específicos sino en el plano social, de donde surgen invalorables aportes para el diseño de programas de acción. (1964 Carta de Venecia – 1965 fundación de ICOMOS (consejo internacional de monumentos y sitios, institución no gubernamental – 1975 Declaración de Ámsterdam.)
Esta acción de resguardo y recuperación de edificios y sitios es también un claro ejemplo de trabajo colectivo dentro de la arquitectura, ya que convoca en cada contexto social a un conjunto de especialidades técnicas, científicas y humanísticas donde cada una aporta su saber y creatividad para alcanzar la meta propuesta.
Asimismo desde la experiencia profesional se revalora el trabajo en equipo, como si el tiempo reordenara una vuelta a la simiente de la arquitectura moderna de mediados del siglo 19, una plena y apasionada interacción de oficios con un objetivo común, donde “utilitas, firmitas y venustas” son respuestas simultaneas...."

lunes 1 de octubre de 2007

Sin Comentarios 22: Coliseo Roma vs Banco de Londres


1- Anfiteatro Flavio "Coliseo", Roma 70-80
2- Banco de Londres, 1959-1966, Clorindo Testa + Sepra
Luego de visualizarlos juntos en la columna de la derecha, me resultaba casi obligatorio incorporarlos a esta sección: Llenos y vacíos, blancos y negros, sólidos y huecos, el ritmo y la proporción.
Las imágenes fueron tomadas de Flickr, Banco de Londres por Anibal r y Coliseo por Mónica Illera
Editado por el arq. Martín Lisnovsky

Sin Comentarios 21: Voysey, Isozaki, patrones y ciclos de repetición


1- Algodón estampado "Las Ninfeas" de Charles Francis Annesley Voysey, 1888
2- Fachada del Liberal Arts and Science College, de Kojima/Akamatsu+Isozaki
, Qatar 2004
Las imágenes fueron tomadas de la web y podrían tener derechos.
Editado por el arq. Martín Lisnovsky